Histoire des arts

LES NEWSLETTERS HDA de l'académie de Versailles

2026-04-16T12:31:00Z

Retrouvez les actualités académiques et nationales, les temps forts artistiques et culturels du moment et nos coups de cœur de lecture dans nos newsletters HDA. Bonne lecture à toutes et à tous !!

L'équipe HDA de l'académie de Versailles

Nos coups de coeur 2025-2026

Béatrice Jaffre, Elsa Vincent, Gildas Morin, Mélie Jouassin — 2026-04-16T08:44:00Z

Anne BOURRASSÉ, Les Refusées. Les artistes femmes n'existent pas, Éditions du Seuil, 2026.
En lien avec le programme de 1ère spécialité et l'étude thématique V "La valeur économique de l'art : le marché, l'économie, leurs lieux et leurs acteurs", le programme de Terminal option "Musée, musées" et en guide d'au-revoir au programme de Terminale spécialité "Femmes, féminité, féminisme"

Commissaire d'exposition et critique d'art contemporain, Anne Bourrassé propose une relecture critique de l'histoire de l'art en révélant l'effacement systématique des artistes femmes par les institutions et les récits dominants. S'appuyant sur son expérience de terrain et sur une enquête rigoureuse, elle mêle récit d'histoire de l'art, analyse documentée et réflexion personnelle sur les inégalités de genre, de classe et de race dans le monde de l'art. L'autrice rappelle par exemple qu'Artemisia Gentileschi est longtemps restée dans l'ombre du Caravage, qu'Augusta Savage a ouvert la voie à Jean-Michel Basquiat, ou encore que Janet Sobel a pratiqué le dripping avant Jackson Pollock, sans bénéficier de la même reconnaissance. En confrontant ainsi des binômes d'artistes, elle met au jour les mécanismes systémiques de domination masculine qui structurent encore le champ artistique. Bourrassé souligne, chiffres à l'appui, qu'il faudrait encore environ cent vingt ans pour atteindre la parité entre artistes femmes et hommes si rien ne change, malgré la forte proportion d'étudiantes en écoles d'art. L'ouvrage met enfin en lumière la façon dont les institutions (écoles, musées, marché de l'art, critique) construisent le canon artistique et contribuent à l'effacement des femmes, hier comme aujourd'hui. Dans ce texte engagé, militant, solidement documenté et étayé par des données chiffrées, l'autrice met en lumière les multiples inégalités qui traversent le monde de l'art afin de revenir aux sources de sa fonction de curatrice : « soigner » l'art et prendre soin des artistes, femmes comprises.

Une rencontre avec l'autrice est organisée le 16 avril à la galerie Agnès B. dans le 13e

Sophie CRAS et Charlotte Guichard, Vendre son art, de la Renaissance à nos jours, Seuil, L'univers historique, 2025.
En lien avec le programme de 1ère spécialité et l'étude thématique V "La valeur économique de l'art : le marché, l'économie, leurs lieux et leurs acteurs"

L'ouvrage cherche à remettre les artistes et leurs œuvres au cœur des interrogations sur le marché de l'art et à faire percevoir la complexité des relations économiques, sociales et personnelles qui, de la Renaissance à nos jours, le structurent. Il dépasse ainsi l'idée d'un marché de l'art qui s'imposerait aux acteurs et artistes en mettant en lumière la manière dont ces derniers ont façonné le marché de l'art, se sont appuyés sur lui, et ont ainsi défendu leur art et gagné leur vie. Parallèlement, les relations au sein du marché de l'art ont infléchi les pratiques artistiques. Les deux chercheuses s'intéressent au premier marché, qui débute dans l'atelier, lieu des transactions avec différents acteurs, et montrent comment la négociation du prix fixé a vu ses critères et ses règles évoluer au fil des époques. Les autrices montrent aussi comment les œuvres n'ont pas attendu l'invention de la photographie pour être reproduites et comment le marché s'est depuis longtemps fondé sur une « économie du multiple ».

Loïc PRIGENT, Mille milliards de rubans, La vraie histoire de la mode, 2025.
En lien avec "Paris, capitale des arts, première moitié du XXe siècle"

Ce petit ouvrage est écrit avec verve et intelligence par Loïc Prigent, documentariste français spécialisé dans la mode et auteur de nombreux reportages passionnants sur cet univers. Ce premier tome (deux autres sont à prévoir) raconte "la couture française et internationale, du XIXe siècle à l'ouverture de la première boutique Coco Chanel en 1913. La naissance des grands couturiers, les clientes-stars, les débuts de la commercialisation de masse par l'industrie, les dessus et les dessous de cette exception française sont révélés. Comment la mode est-elle devenue la mode ? Comment le système s'est-il mis en place ? Qui a mis au point les machines, les prospectus, les vitrines, la frivolité comme modèle économique ? Qui a décidé du rythme des collections ? Qui a eu l'idée d'ajouter des étiquettes ? Des défilés et les mannequins ?"

Journée d'étude 2025-2026 « Histoire des arts, enseigner les faits religieux »

Béatrice Jaffre, Elsa Vincent, Gildas Morin, Mélie Jouassin — 2026-04-16T06:36:17Z

HISTOIRE DES ARTS, ENSEIGNER LES FAITS RELIGIEUX

Journée d'étude et ateliers pédagogiques à l'INHA et au Louvre - Janvier 2026

Formation interdisciplinaire et inter-degré pour l'académie de Versailles.

L'organisation de cette journée dédiée à l'enseignement de l'Histoire des Arts s'inscrit dans la continuité de la journée de l'année dernière consacrée à la « Représentation du corps humain » et propose une approche des questions vives et sensibles autour de l'histoire des arts et de l'enseignement des faits religieux.
L'enseignement du fait religieux est défini comme « un enseignement transversal qui encourage le décloisonnement disciplinaire ». Les Faits religieux sont définis à leur tour dans les programmes par une énumération qui rend compte de leur pluralité : « Rites, textes fondateurs, coutumes, symboles, traces matérielles ou immatérielles, manifestations sociales, œuvres », « l'enseignement des faits religieux s'appuie par exemple sur les grands textes religieux, les œuvres d'art, et présente la diversité des représentations et des visions du monde ». Pour rappel, les enjeux à l'époque du rapport Debray en 2002 étaient les suivants :
Répondre à la perte de sens que ressentent les élèves face à des monuments patrimoniaux
Donner des clés de lecture à des objets scientifiques : une source littéraire, picturale, architecturale.
Cadre de la laïcité : désigne la transmission de connaissances scientifiques rigoureuses

L'objectif principal est de doter les enseignants d'outils et de connaissances leur permettant de rendre accessible :
La variété historique et géographique des phénomènes qui prennent des formes diverses au sein des groupes humains,
La pluralité des formes d'expression religieuse, notamment artistiques.
Nous avons retenu deux perspectives pour cette rencontre entre Histoire des arts et enseignement des faits religieux, nullement exclusives l'une de l'autre :
Quelle place accorder aux faits religieux dans l'approche laïque des œuvres dont on ne perçoit plus spontanément la dimension sacrée ? Que faire quand les faits religieux font irruption dans le cours d'Histoire des arts de manière inattendue ?
L'Histoire des arts permet l'analyse, l'interprétation des œuvres ainsi que la compréhension des actes de création.
Peut-on passer par les œuvres pour aborder l'enseignement des faits religieux ?
L'Histoire des arts apparaît alors comme une finalité ou un moyen.

Gildas Morin et Elsa Vincent, IA-IPR en charge du suivi de l'HDA.

Conférence à l'INHA
ENSEIGNER LE SACRÉ DANS LES ARTS : PERSPECTIVES HISTORIQUES ET DIDACTIQUES / Isabelle SAINT-MARTIN
Mme Isabelle Saint-Martin, Directrice d'études à l'EPHE.

"Isabelle Saint-Martin est directrice d'études à l'École Pratique des Hautes Études (EPHE - PSL, section des sciences religieuses) et membre de l'équipe Histara.
Ses recherches portent principalement sur les relations entre le christianisme et les arts visuels à l'époque contemporaine (XIXe-XXIe siècle).
Parmi ses publications : Art chrétien/art sacré. Regards du catholicisme sur l'art (France XIXe-XXe siècle), PUR, 2014 ; avec P.-L. Rinuy (dir.), Sainte Face, Visages de Dieu, visages de l'homme dans l'art contemporain (2014) ; avec J. Cottin et alii (dir.), Le Christ réenvisagé. Variations photographiques contemporaines (2016).
Elle prépare avec F. Stahl (musée Maurice Denis) l'édition des actes du colloque « De la Reconstruction au renouveau esthétique. Rêves et réalités des Ateliers d'art sacré » (parution Beauchesne, 2022) dans lequel, elle s'est plus particulièrement attachée à la figure du Père Couturier et aux années décisives qui marquent sa prise de distance avec sa formation première.
Isabelle Saint-Martin s'est également impliquée dans les formations à l'enseignement des faits religieux lancées à la suite du rapport de Régis Debray (2002). Après avoir dirigé l'Institut européen en Sciences des religions (IESR, 2011-2018), elle a publié Peut-on parler des religions à l'école ? Plaidoyer pour l'approche des faits religieux par les arts (Albin Michel, 2019) et participe encore à de nombreuses formations sur ces sujets".

Pour aller plus loin
_ROHAN-CSERMAK (de) Henri et SAINT-MARTIN Isabelle, L'Art et le sacré, CANOPÉ, 2017.
Extrait du dossier
_Podcasts :

Enseigner les faits religieux grâce à l'histoire des arts, France Inter, octobre 2020.
La Bible de Jérusalem, vingt siècles d'art, Institut de France, 2010.

Ateliers pédagogiques au Louvre
HISTOIRE DES ARTS ET ENSEIGNEMENT DES FAITS RELIGIEUX / Équipe de médiation et Professeur-relai du LOUVRE

_Atelier-visite dans les collections du Louvre avec un dossier clé en main mettant en lien un texte fondateur et son interprétation par un ou plusieurs artistes : "Le Sacrifice d'Abraham", "Adam et Ève", "L'Annonciation", "Le Déluge" et "Le Jugement dernier"
Dossier complet à télécharger :

Formations Lycée_2025-2026

Béatrice Jaffre, Mélie Jouassin — 2026-01-28T15:06:00Z

FORMATIONS LYCÉE ENSEIGNEMENTS OPTIONNEL ET DE SPÉCIALITÉ - 2025-2026

Formatrices : Béatrice Jaffré & Mélie Jouassin

JOURNÉE 1 - MERCREDI 15 OCTOBRE 2025

Formation en lien avec l'enseignement de spécialité en terminale "Paris, capitale des arts dans la première moitié du XXe siècle"

Visite guidée de l'exposition « Paul Poiret, la mode est une fête »
Intervention sur la mode "De la Belle époque à Christian Dior"

Ressources de l'intervention

JOURNÉE 2 - FORMATION INTERACADÉMIQUE Paris-Créteil-Versailles- VENDREDI 05 DÉCEMBRE 2025

Formation à l'INHA

Lycée Paul Langevin, Suresnes

JOUASSIN Mélie, PINEAU Laure & LE MÉNÉDEU Alix

L'équipe du lycée Paul Langevin, à Suresnes, propose comme fil conducteur de la 2nde à la Tle, un ancrage très fort dans la danse. Cette passion commune créé un lien ténu sur les trois années de scolarité des élèves et permet de travailler en interdisciplinarité avec les Arts plastiques, les Lettres ou la Philosophie.
L'enjeu est double, il s'agit tout d'abord, d'essaimer dans les programmes des études de chorégraphies et d'aborder tous les styles de danse faisant ainsi le pari que le spectacle vivant, la fréquentation des lieux et des ballets classiques, modernes et contemporains offrira une ouverture positive aux élèves qui sont issus, pour la plupart, de milieux modestes. L'équipe pédagogique aspire vivement à amener les élèves là où ils n'iraient pas.
La danse est un art instinctif, moins littéraire que le théâtre, plus abordable que le cinéma (qui a déjà son propre dispositif en lycée). La danse, elle, parle à tous les corps, adolescents ou adultes, on la reçoit en plein cœur, de manière charnelle et évidente. La danse se passe bien souvent de mots et notre objectif pédagogique est de faire vivre aux élèves des moments de grâce, les remuer, les déplacer dans leur expérience sensible et, in fine, les amener vers un ailleurs.

Lycée Lycée Gustave Monod, Enghien-les-Bains

VADELORGE Virginie & ALLIOT Frédéric

En option histoire des arts, le thème de terminale « Musée, musées » est l'occasion de porter notre regard ailleurs. Cet ailleurs est pensé au lycée Gustave Monod d'Enghien-les-Bains comme :
_Un ailleurs géographique : en dehors de l'Europe occidentale
_Un ailleurs culturel : les cultures et civilisations extra-européennes
_Un ailleurs temporel : le futur des musées, le passé et le présent des spoliations et acquisitions.
On peut ainsi faire fructifier en classe deux regards :

I/ un regard sur l'ailleurs extra-européen tel qu'on l'observe dans les acquisitions récentes et la création de nouveaux musées ;
Deux questions simples au cœur du programme permettent par exemple de mettre en œuvre ce regard.
1/ Comment les musées acquièrent-ils des œuvres ?
L'activité proposée aux élèves est de choisir en début de séquence une reproduction dans un corpus qui regroupe des œuvres acquises récemment (après 2010) par divers moyens (achat en vente publique, don, souscription publique, achat conjoint de musées, etc.).
Les élèves produisent tout d'abord une description écrite détaillée de l'œuvre. Puis, ils et elles sont invités à saisir dans un moteur de recherche le nom de l'artiste, le titre de l'œuvre ainsi que le mot « acquisition » pour alors déterminer quel musée a acquis l'œuvre et par quel moyen (éventuellement à quel prix). La fin de la séquence amène chacun à présenter brièvement l'œuvre étudiée au groupe, en insistant sur les modalités d'acquisition puis de produire collectivement une brève synthèse sur ces modalités.

C'est bien sûr dans la constitution du corpus que l'enseignant peut ouvrir et guider le regard des élèves. Au-delà de la contrainte première évoquée plus haut, la vingtaine d'œuvres sélectionnée essaie d'en respecter d'autres plus générales. Il s'agit par exemple de varier les types d'œuvres (peinture sculpture, photographie, mobilier, installation) ou d'être attentif à la présence d'artistes féminines. Deux œuvres d'artistes extra-européens sont aussi proposées :

• El Anatsui, In the World But Don't Know the World. (2009, fils d'aluminium et de cuivre, 560x1000 cm. Acquisition conjointe du Stedelijk Museum Amsterdam et du Kunstmuseum Bern, avec le soutien de l'Association Rembrandt).
L'installation de l'artiste ghanéen qui travaille au Nigéria est une tenture monumentale comme tissée d'éléments métalliques. Elle suscite au premier regard des questionnements forts chez les élèves. L'observation plus poussée (notamment grâce à des photos de détails) déclenche alors un intérêt franc pour le travail de l'artiste.
• Marcos Lòpes & RES, La conquista. (1991, photographie argentique, 23,8×17,8 cm, œuvre donnée au MOMA en 2024 par la galerie Rolf Art de Buenos Aires via le Latin American and Caribbean Fund). Cette photographie est un élément d'une série témoignant d'un happening qui a pris place au cœur d'une exposition collective de quarante artistes, conçue comme une réponse ironique au cinquième centenaire de la colonisation des Amériques.
Une autre œuvre, d'origine européenne, quant à elle, pose pourtant la question du regard porté et projeté par les européens du 18e siècle sur les populations extra-européennes. Il s'agit du Portrait d'Omaï par Joshua Reynolds (1776, huile sur toile, 236x145,5 cm, acquis conjointement par la National Portrait Gallery et le Musée J. Paul Getty en 2023).
2/ Musées du 21e siècle.
C'est une séquence où l'on découvre et discute des questions géographiques et géopolitiques liées à la mondialisation du phénomène muséal. Après la réalisation d'un croquis illustrant la répartition des musées dans le monde (données Krystof Pomyan, une histoire mondiale des musées), les élèves, par petit groupes, sont invités à lire et comprendre des transcriptions papier de documents numériques (articles en ligne, interview radiophoniques, textes officiels) concernant l'ouverture de nouveaux musées dans le monde. Affirmation nationaliste, volonté de soft-power, tensions liées aux spoliations coloniales ou partenariat avec des institutions occidentales sont en particulier les idées qui nourrissent ensuite les discussions collectives.

II/ un regard sur un ailleurs géographique, culturel et temporel : l'histoire de la restitution de 26 œuvres au Bénin, en Afrique subsaharienne.
C'est un sujet susceptible de mobiliser la curiosité des élèves, mais qui peut soulever des difficultés, notamment celle de trouver un corpus qui ne soit pas trop aride, car savant. L'étude de Dahomey, film de Mati Diop, qui suit pendant dix jours le voyage de retour de 26 Trésors royaux du Bénin, du Quai Branly vers leur patrie d'origine, va pallier une grande partie de ces difficultés. Le film présente plusieurs intérêts :
_Trouver des moyens de monstration des œuvres
_Problématiser les questions sur les restitutions et les rendre concrètes
_Proposer une réponse de cinéma : ce n'est pas un documentaire, mais un « documentaire fantastique » selon Mati Diop, qui va donc donner une forme spécifique à la question des restitutions.
Pour préparer les élèves à la séance, on travaille d'abord sur une chronologie comparée Bénin / France selon un double point de vue : celui de l'histoire politique, et celui de l'histoire culturelle.
Qu'analyser dans le film ?
1/ Une réflexion sur le statut des objets
_La multiplicité des discours sur les objets souligne l'ampleur des questions sur leur statut, et permet de ne pas avoir de réponse ferme sur les sujets abordés
_La technique de montage parallèle crée des superpositions de ces discours, ce qui permet de ne pas établir de hiérarchie entre ces discours et de souligner le statut extrêmement mouvant des objets.
_La mise en scène de différents voyages est un moyen de rendre compte de la façon dont les changements de lieu ont affecté le statut des objets au cours de leur histoire (comme le montre la carte des « translocations » établie par Bénédicte Savoy)
2/ Un renversement des regards et des voix
_En donnant à voir et entendre le point de vue béninois (les regards de nouveaux sujets), via une mise en voix (voix in, voix through) de discours officiels, de discours sur les objets par des spécialistes, de discours fortement incarnés par des étudiants, d'un « discours muet » de personnes silencieuses => une multiplicité de voix pour pallier les voix qui n'avaient pas été entendues jusqu'ici, resocialiser les œuvres et montrer leur réappropriation.
_En donnant à voir et entendre le point de vue de l'objet - étude des éléments qui montrent son point de vue et sa subjectivité : l'usage de la première personne, les effets de caméra subjective, la voix dont est pourvue la statue, une parole poétique prononcée en langue fon, une traduction de cette langue en écriture inclusive - la forme même du film est hybride - des effets « fantastiques » d'animation des objets. Plutôt que de restituer la vue et la vie, le film entreprend de réinventer ces œuvres en les libérant du statut d'objets pour devenir sujets, et renverser les regards, de sorte que « 26 » peut dire : « je me vois à travers vous ».

Que proposer pour nourrir la séquence après avoir étudié ce film ?
1. Insérer Dahomey dans un corpus cinématographique
Intérêts :
a. un corpus cohérent d'œuvres de la même discipline artistique
b. analyser différentes modalités du cinéma sur le même sujet : depuis l'Europe, l'essai filmique de 1953 Les Statues meurent aussi ; depuis l'Europe, mais depuis le point de vue ghanéen, le court-métrage documentaire You Hide Me de Nii Kwante Owoo ; depuis l'Afrique, pour trouver une voix à soi : un extrait de la fiction La Noire de... d'Ousmane Sembène,
Axes d'analyse comparée :
_Le traitement de la voix, comme moyen d'émancipation
_Le traitement des regards des cinéastes : comparer la façon de porter le regard sur les objets
2. Mener des recherches permettant d'écrire, sur la suggestion d'Arno Bertina, la lettre de demande de prêt, de la part d'un conservateur béninois à un musée européen, d'une œuvre européenne, pour une exposition de confrontation à une des 26 œuvres restituées (une œuvre à fonction religieuse, une œuvre à fonction symbolique de puissance par exemple).

En conclusion de cette séquence :
Le film pose la question des modalités d'existence des œuvres aujourd'hui, quand elles sont passées d'un musée à un autre. A cet égard, le film n'est pas une critique radicale des réticences muséales européennes, mais comporte des questions importantes pour l'avenir des musées.
Le film peut nous interroger sur certaines catégories de questions que nous posons traditionnellement aux œuvres (l'originalité d'une œuvre par sa datation et son lieu de production par exemple), et sur un possible ailleurs de notre histoire de l'art.

JOURNÉE 3 - VENDREDI 16 JANVIER 2026

Formation en lien avec l'enseignement de spécialité en terminale "Paris, capitale des arts dans la première moitié du XXe siècle"
Intervenant : Nachiketas WIGNESAN, enseignant et formateur en Histoire du cinéma et analyse de films.

Conseils de lecture Histoire des arts - session 2026

Béatrice Jaffre, Mélie Jouassin — 2025-10-03T07:40:00Z

CONSEILS DE LECTURE

En complément de notre accompagnement à la préparation de la certification complémentaire, nous proposons une bibliographie ainsi que des ressources en ligne afin que les candidats puissent mettre à jour leur culture universitaire et acquérir de nouvelles connaissances dans le domaine de l'Histoire de l'art.

Nous espérons aussi que ces conseils permettront à tous les enseignants passionnés par l'histoire des arts de (re)découvrir des ouvrages complets et abordables mettant en jeu des approches transversales et enthousiasmantes, aptes à enrichir leur réflexion pédagogique.

Formations Lycée_2024-2025

Béatrice Jaffre, Mélie Jouassin — 2025-06-23T07:28:00Z

FORMATIONS LYCÉE ENSEIGNEMENTS OPTIONNEL ET DE SPÉCIALITÉ - 2024-2025

Formatrices : Béatrice Jaffré & Mélie Jouassin
Intervenant sur les Ballets russes : Thibault Maillé, professeur de Musique et d'Histoire des arts
Intervenante sur Carmen de Bizet : Armelle Devignes, professeur d'éducation musicale et chant chorale
Intervenante sur les écrivains américains : Anastasia Scepi, professeur de Lettres modernes
Intervenante sur les avant-gardes artistiques : Béatrice Joyeux-Prunel, Professeure en Humanités numériques à l'université de Genève

WEBINAIRE INTERACADÉMIQUE Paris-Créteil-Versailles

Formation en lien avec l'enseignement de spécialité "Paris, capitale des arts dans la première moitié du XXe siècle". Webinaire organisé par les trois académies d'Île-de-France, le 13 mars 2025, auquel nous avons invité Madame Béatrice Joyeux-Prunel pour une intervention sur la question au programme.

Mme Béatrice Joyeux-Prunel est professeure en Humanités numériques à l'université de Genève et auteure de trois études sur les avant-gardes artistiques : 1848-1918, 1918-1945 et 1945-1970.
Diaporama

Replay de la conférence

Introduction : Problématisation du sujet et considérations sur la terminologie et les repères chrono-géographiques
I. Une idée contestable et contestée Contestée aujourd'hui (par les historiens), comme à l'époque (par les acteurs). « Paris, capitale des arts », « avant 1945 » : discours avant tout, une histoire de point de vue. Discours qui s'exprime dans les textes, mais aussi les œuvres, les choix de vie (trajectoires) et la géographie (urbanisme, monuments…)
II. Paris capitale comme "fonction" Considérer Paris-Capitale comme une fonction, qui peut être activée selon des stratégies diverses selon les échelles (locale, nationale, internationale) et les domaines (ou les« champs » : artistique, littéraire, cinématographique, théâtral, musical…)

JOURNÉE 1 - MERCREDI 16 OCTOBRE 2024

Formation en lien avec l'enseignement de spécialité en terminale "Paris, capitale des arts dans la première moitié du XXe siècle"

Intervention de Mélie Jouassin et Thibault Maillé sur "Les ballets russes à la conquête de Paris : chorégraphie, scénographie et musique".

Ressources de l'intervention

Fiche-synthèse	Diaporama

JOURNÉE 2 - JEUDI 28 NOVEMBRE 2024

Formation en lien avec l'enseignement de spécialité en terminale "Paris, capitale des arts dans la première moitié du XXe siècle"

Visite guidée de l'exposition "La mode en modèle. Photographie des années 1920-1930".
Intervention d'Anastasia Scepi sur "Les écrivains américains à Paris".

Ressources de l'intervention

JOURNÉE 3 - VENDREDI 06 DÉCEMBRE 2024

Formation en lien avec l'enseignement optionnel en première "L'art du portrait en France, XIXe-XXIe siècle"

Intervention de Béatrice Jaffré sur Xavier Veilhan, Michel Journiac et Bettina Reims
Intervention d'Armelle Devignes sur Carmen de Bizet.

Fiche-synthèse	Diaporama

Nos coups de coeur lecture 2024-2025

Béatrice Jaffre, Gildas Morin, Marine Pillaudin, Mélie Jouassin — 2025-05-02T08:58:00Z

Stéphane GUÉGUAN & Nicolas KRIEF, Musées, Gallimard, 2024.
En lien avec le programme limitatif d'enseignement optionnel en classe de terminale "Musée, musées"

Musée est un ouvrage singulier qui explore l'envers du décor des institutions muséales. Fruit de la collaboration entre le photographe Nicolas Krief et l'historien de l'art Stéphane Guégan, il offre une plongée inédite dans les coulisses des musées, capturant des instants suspendus lors des accrochages et des préparatifs d'expositions.
Capturées entre autres, au Louvre, au musée d'Orsay ou la fondation Pinault, les photographies de Krief, prises sans mise en scène, révèlent avec subtilité l'humanité, la poésie et l'humour qui émanent de ces moments souvent invisibles au public. A travers leurs gestes, les techniciens rencontrent les œuvres. Les espaces vides , en attente ou en cours de transformation se regardent autrement. Ces images, empreintes de sensibilité, invitent à une réflexion sur la temporalité et la matérialité de l'art.
Le texte de Guégan accompagne ces photographies avec érudition et finesse, offrant des perspectives historiques et critiques sur le rôle du musée dans la société contemporaine. Il interroge la manière dont les musées construisent des récits, sélectionnent les œuvres, et influencent notre perception de l'art.
Ensemble, les auteurs proposent une vision du musée comme un espace vivant, en perpétuelle évolution, où se croisent passé et présent, visible et invisible. Musée est ainsi une invitation à porter un regard neuf sur ces institutions, à en apprécier la complexité et la richesse au-delà des salles d'exposition.

« Les profanes et les dévots, les laïcs et les prêtres, ceux pour qui la foi se présente comme un état de fait, et ceux pour qui elle est une évidente vérité : se joue lors de ces accrochages notre rapport à l'art, à l'ordre et au sacré. » Nicolas Krief

Chiharu Shiota. The Soul Trembles, Grand Palais RMN Éditions, 2024.
En lien avec la question limitative "Femmes, féminité, féminisme"

Le catalogue de l'exposition "Chiharu Shiota. The Soul Trembles" au Grand Palais (11 décembre 2024 - 19 mars 2025) est une véritable pépite pour les enseignants d'histoire des arts et leurs élèves. Sa lecture et découverte peut être relié à des perspectives pédagogiques autour d'une des trois questions du programme limitatif : « femmes, féminité, féminisme ».

Cette publication offre une plongée fascinante dans l'univers poétique de l'artiste japonaise, connue pour ses installations monumentales de fils entrelacés. Le catalogue, soigneusement conçu, alterne entre analyses critiques et témoignages personnels, retraçant plus de 20 ans de carrière de Shiota. Ses œuvres immersives abordent les notions de temporalité et de mémoire de manière profonde et multidimensionnelle. Sans se revendiquer explicitement féministe, l'artiste explore des sujets intimes qui résonnent avec la condition féminine de manière universelle. L'ouvrage met en lumière l'utilisation unique du fil par Shiota, transformant ce matériau simple en un langage poétique puissant. Cette approche offre une réflexion stimulante sur la ligne, l'espace et les relations entre les êtres, l'expression d'émotions enfouies et leurs transfigurations dans l'art. Les installations de Shiota, décrites et illustrées dans le catalogue, invitent à s'interroger sur l'art comme expérience sensorielle, sur le fil comme médium artistique, sur la mémoire et la connexion entre les individus, etc.

Ce catalogue constitue un outil pédagogique précieux pour explorer les enjeux de l'art contemporain au féminin.

GILBERT Thomas et CAPPELLE Laura, Une histoire dessinée de la danse, Seuil, 2024.
En lien avec les programmes de cycle 4 et de lycée

Laura Cappelle, sociologue de l'art, critique, journaliste, enseignante et spécialiste de la danse et Thomas Gilbert, dessinateur et auteur de bandes dessinées livrent une histoire passionnante de la danse aux éditions du seuil. Un parcours qui débute aux temps préhistoriques pour s'achever à l'époque contemporaine. Nous suivons deux protagonistes, Camille et André, qui voyagent à travers le temps, nous faisant ainsi découvrir les pantomimes antiques, les danses macabres médiévales, les ballets romantiques et les grands chorégraphes contemporains, explorateurs du corps dansant : Pina Bausch, William Forsythe.
Cet album est à compléter par l'ouvrage de référence de Laura Cappelle, Nouvelle histoire de la danse en Occident : De la Préhistoire à nos jours, publié en 2020 aux éditions du Seuil.

1905-1925. Le Paris de la modernité, catalogue d'exposition, Petit Palais, Paris Musées, 2023.
En lien avec le programme limitatif en terminale spécialité "Paris, capitale des arts, première moitié du XXe siècle"

Ressource incontournable pour le nouveau programme « Paris, capitale des arts », le catalogue d'exposition balaye vingt années de création moderne et d'effervescence artistique dans la capitale. Une traversée dans les domaines de la photographie, danse, architecture, mode, cinéma, peinture et sculpture permettent de retracer les contours de cette période qui va du début des avant-gardes avec l'avènement du Fauvisme, en 1905, à l'occasion du Salon d'Automne à l'Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes en 1925. Le quartier de Montmartre puis de Montparnasse, le Théâtre des Champs-Élysées ou encore du Châtelet sont les bastions où se rencontrent et se retrouvent les artistes de l'École de Paris, les avant-gardes littéraires et le Tout-Paris des années folles, en quête de modernité et de renouveau.
L'ouvrage, conçu par périodes, permet de mettre en relation sur un temps donné, les œuvres issues de domaines différents et d'éclairer leur genèse et les liens indéniables qu'elles entretiennent les unes avec les autres. Interdisciplinarité, rupture, modernité, tout le panel des avant-gardes est ici mis en lumière et restitué dans un catalogue à l'iconographie riche et recherchée. Une lecture indispensable pour entrer de plain-pied dans le nouveau programme limitatif dédié à Paris, capitale des arts.

Journée d'étude 2024-2025 « Représentation du corps humain »

Béatrice Jaffre, Gildas Morin, Marine Pillaudin, Mélie Jouassin — 2025-01-15T08:10:00Z

ÉTUDIER LA REPRÉSENTATION DU CORPS HUMAIN

Journée d'étude et ateliers pédagogiques au Centre Georges Pompidou - Janvier 2025

Formation interdisciplinaire et inter-degré pour l'académie de Versailles.

L'organisation de cette journée dédiée à l'enseignement de l'Histoire des Arts (HDA) s'inscrit dans une réflexion plus large sur l'évolution de cet enseignement et le soutien apporté aux enseignants. Cette initiative de l'inspection pédagogique régionale d'Histoire des arts vise à répondre aux besoins spécifiques des professeurs d'HDA, en leur offrant des contenus scientifiques et universitaires adaptés à leur pratique.

L'objectif principal est de doter les enseignants d'outils et de connaissances leur permettant de :

Rendre accessible l'étude de toutes les œuvres, quelle que soit leur nature ou leur complexité
Anticiper les questions et réactions que peuvent susciter les œuvres auprès des élèves, afin de mieux préparer les séances et favoriser les échanges
Aborder les questions vives et signifiantes posées par des démarches artistiques singulières, en intégrant des perspectives anthropologiques, culturelles et sociologiques
Articuler l'enseignement avec l'actualité culturelle, notamment en faisant le lien avec les expositions en cours

Cette approche s'inscrit dans la continuité des réflexions menées depuis l'introduction de l'enseignement de l'histoire des arts dans les programmes scolaires en 2008 pour le primaire et 2009 pour le secondaire. Elle vise à renforcer la dimension interdisciplinaire de cet enseignement, en encourageant le croisement des regards portés par différentes disciplines sur les mêmes œuvres, afin de favoriser une culture commune.

Conscients des défis que représente cet enseignement pour les professeurs, nous avons cherché à fournir des ressources et des méthodes pour enrichir les pratiques et stimuler l'intérêt des élèves pour les arts dans toute leur diversité.
Nous vous souhaitons une bonne lecture des contenus et ressources associées à cette journée de formation.

Gildas Morin et Marine Pillaudin, IA-IPR en charge du suivi de l'HDA.

NU, NUDITÉ, ÉROTISME, PORNOGRAPHIE / Claire Maingon
Maîtresse de conférences en Histoire de l'art contemporain XIXe-XXIe siècle à l'université de Rouen, Directrice de la rédaction de la revue Sculptures, autrice de plusieurs ouvrages sur la relation entre art et érotisme.

L'intervention de Claire Maingon explore la représentation du nu et de la nudité dans l'histoire de l'art, en mettant en lumière les conventions artistiques, les jugements moraux, et les ambiguïtés érotiques qui entourent bon nombre d'œuvres du XIXe siècle, entre autres.

À partir d'exemples connus et reconnus dans l'Histoire de l'art, Claire Maingon opère une distinction entre nu et nudité. Le nu est une convention artistique codifiée depuis l'Antiquité : les « venus pudica » et athlètes grecs en sont la parfaite incarnation. Tandis que le nu masculin est héroïsé, le nu féminin est pudique : l'attitude du personnage ne suggère aucune érotisation : le regard est détourné, la main couvre le sexe ou les seins. Le corps idéalisé ne pose pas de problème, car le sexe n'y occupe que la place d'un détail anatomique. Les Vénus sont d'ailleurs glabres et leur sexe ne présente pas de fente. La nudité, en revanche, aborde des thèmes comme l'amour, l'érotisme et la sexualité, suscitant souvent des controverses et réactions vives. Toutefois, il existe une porosité entre le nu et la nudité, car l'ambiguïté dans le nu est un élément essentiel pour susciter le regard du spectateur. Elle réside ainsi dans la manière dont le personnage est dénudé, déshabillé, et dans son attitude. Enfin, si l'érotisme se situe dans l'évocation et des détails secondaires, la pornographie montre explicitement l'acte sexuel.
Le XIXe siècle est marqué par une tension entre moralité stricte et fascination pour l'érotisme. Ainsi, La Danse de Carpeaux (1865-1869) fut jugée scandaleuse pour ses nus féminins en mouvement qui renvoyaient davantage à une Bacchanale qu'à une danse. Jean-Léon Gérôme, feint la morale dans Phryné devant l'aréopage (1861). Phryné est accusée d'impiété et devant le tribunal, pour garantir la bonne foi de sa cliente, son avocat la dévêt intégralement car le dévoilement du corps parfait garantit le fait que la cliente est morale : le beau est toujours moral selon les valeurs antiques. En dévoilant son corps, elle est absoute de ses fautes alors qu'il s'agissait d'une courtisane. Le peintre joue ainsi sur sa fausse pudeur. Ce n'est pas pour rien si Edgar Degas considèrait cette œuvre comme pornographique. La Femme piquée par un serpent de Clessinger (1847), moulée sur le corps de la maîtresse de Baudelaire, Mme Sabatier, représente sans doute la jouissance d'une femme traversée par un spasme de plaisir tandis que l'Olympia de Manet subvertit les codes du traditionnel nu allongé avec une courtisane moderne au regard provocant. Manet est-il un peintre érotique ? S'il respecte les codes de la représentation pudique dans Olympia en reprenant le motif de la Vénus allongée et en proposant une anatomie parfaite et plutôt allusive, Olympia renvoie à un nom de courtisane courant au XIXe siècle : le contexte donne un pouvoir subversif à cette œuvre. Les draps, les coussins, le lit bouleversés, le rideau dévoilant la la scène, le bouquet de la servante, autant d'éléments qui dénotent le thème prostitutionnel et l'ambiguïté du type social représenté : une femme très jeune dans une maison close assez chic, qui lance un regard de défi plutôt qu'une invitation. L'absence de coquetterie assimile ce tableau tout autant à une scène sociale qu'à un moment érotique. Paradoxalement, des figures habillées sont parfois plus franchement érotiques que certains nus : Manet rompt avec le prétexte mythologique et propose des nus réalistes, comme Nana. Le jupon de Nana et la présence du client dans l'espace intime de la chambre s'annoncent comme les prémices de l'acte sexuel. L'oeuvre sera d'ailleurs refusée au Salon, et exposée dans la vitrine d'un magasin du boulevard des Capucines. Baudelaire et les Frères Goncourt seront également taxés de pornographes car, dans leurs ouvrages, ils ont évoqué l'univers de la prostitution.
Mais l'érotisme n'était-il pas présent dans les œuvres antiques dont les artistes modernes s'inspirent ? Ainsi l'Olympia de Manet est une relecture de La vénus d'Urbino du Titien (1538) qui, elle-même, contient un érotisme subtil. Daniel Arasse dans Histoires de peinture qualifie cette vénus de « pin-up de la Renaissance ». Son geste délicat, la main gauche cachant son pubis, a souvent été interprété comme un geste masturbatoire. Or, au XVIe siècle, toute une littérature médicale s'est développée sur la nécessité de la masturbation féminine pour favoriser la procréation et la fécondation. La naissance de Vénus de Botticelli dont le modèle aux allures marmoréennes est une « venus pudica » incarnant l'innocence et la beauté, possède également des caractéristiques secondaires érotiques telles que la chevelure déliée. Le peintre respecte le code moral tout en suggérant l'érotisme : si la Vénus est nue car elle vient de naître, une boucle de cheveux, savamment placée devant son sexe, évoque le coquillage qui, lui-même, est une métaphore du sexe. Aby Warburg parle de « caractéristiques secondaires de sauvagerie », les cheveux renvoient à la folie et au désordre des Bacchantes : les poils, les cheveux évoquent le côté sauvage, sexuel et indomptable du corps. Derrière une apparente candeur, se situe l'érotisme et selon Kenneth Clark, un nu doit contenir une certaine ambiguïté érotique pour émouvoir le spectateur. L'érotisme peut également se situer dans des représentations sans corps humain comme le fera Eugène Delacroix avec son Lit défait daté de 1825. Le mobilier porte les traces de l'acte sexuel et, malgré l'absence du couple qui y partagea un moment, le lit nous transporte du côté de l'intime. Ceci peut être mis en relation avec les métaphores du mobilier que l'on trouve dans Le verrou de Fragonard. Si la jeune fille semble se refuser, tout dans le décor environnant nous parle de l'acte sexuel à venir : mise en scène phallique du rideau et des draps évoquant des jambes écartées. Le Sopha, nouvelle de Crébillon publiée en 1742 aux allures orientales explorait déjà, en son temps, le désir et l'amour. Un homme transformé en sofa (le narrateur) raconte les couples qu'il a accueilli et vu s'aimer jusqu'à l'apothéose d'une jouissance qui libère le narrateur de l'enchantement et lui rend sa liberté.

L'histoire du nu dans l'art oscille entre conventions esthétiques et transgressions érotiques. Les artistes utilisent ambiguïtés et symboles pour naviguer entre pudeur et provocation, questionnant ainsi les normes sociales de leur époque.
Support de l'intervention

Ouvrages de l'intervention
ARASSE Daniel, Histoires de peinture, 2004, (1ère édition).
WARBURG Aby, La Naissance de Vénus et le Printemps de Sandro Botticelli, 1983 (1ère édition).
CLARK Kenneth, The Nude : A Study in Ideal Form, 1956 (1ère édition)

Publications de Claire Maingon
Scandales érotiques de l'art, Beaux arts édition, 2016.
Les chefs-d'œuvre du patrimoine érotique ; peintures, sculptures, décors, lieux, monuments..., Beaux arts édition, 2019.
L'œil en rut : art et érotisme en France au XIXe siècle, Beaux arts édition, 2021.
Co-directrice de rédaction avec Thierry Dufrêne, Sculptures (revue). Découvrir
Podcasts France Inter :

Art occidental : Pourquoi autant de nus, pourquoi autant de culs ? (Diffusion : janvier 2025)
L'œil en rut : l'érotisme dans la peinture du 19e siècle, 2021
Qui est Éros au XIXe siècle ?, 2016

LA SCIENCE ANATOMIQUE DU CORPS HUMAIN / Yohan Lacroix
Professeur d'anatomie et de morphologie aux Gobelins, coordinateur du parcours lycéens aux Ateliers Gobelins.

L'étude de l'anatomie humaine a évolué à travers l'histoire, influencée par des médecins et artistes célèbres. L'intervention de Yohan Lacroix revient sur les différentes étapes qui ont jalonné ce parcours : observation, dissection, publication de manuels à l'usage des médecins puis des artistes jusqu'aux progrès de l'imagerie médicale au XXe et XXIe siècles.

De l'Antiquité au Moyen Âge, la figure de Galien se distingue, médecin des gladiateurs, il met à profit son métier pour observer les blessures et progresse ainsi dans la connaissance du corps. Au XIIIe siècle, les dissections sont encouragées par la religion car découvrir le corps humain permet de mieux comprendre le divin. À Bologne, on assiste à la création des premiers théâtres de dissection, on se sert des condamnés à mort pour effectuer les dissections. La science a alors besoin de corps et une mafia se développe en Europe quand il y a pénurie de corps, des groupes faisaient des rondes et tuait des gens en fin de vie. L'activité s'avérera très lucrative car la demande de corps entraîne l'essor de ce marché noir. Du XIVe au XVIe siècle, c'est la période des progrès majeurs. Léonard de Vinci représente cette période qui concilie observation et avancée médicale. Il dissèque une trentaine de corps et s'intéresse au corps médical mais il n'aura toutefois pas le temps de finir son ouvrage d'anatomie. Dans son sillage, Michel-Ange assiste aux cours de De Vinci, il développe une approche artistique des os et muscles. Au XVIe siècle, le savoir voyage par le biais de l'imprimerie. Ainsi, les gravures anatomiques de Vésale circulent en Europe et contribuent à enrichir les connaissances des artistes. Puis, les XIXe et XXe siècles se caractérisent par des innovations médicales et artistiques. Tout d'abord, au XIXe siècle, les rayons X apparaissent tandis que les femmes sont progressivement intégrées aux Beaux-Arts. Enfin, au XXe siècle, on assiste à une révolution de l'imagerie médicale avec l'apparition des scanners 3D et radiographies en mouvement.

Fort de ses connaissances, les artistes puisent dans l'imagerie médicale et les savoirs liés à l'anatomie ainsi qu'à la morphologie pour pousser, plus loin, le degré de réalisme dans leurs créations.

Support de l'intervention

Découvrir le travail de Yohan Lacroix

ARCHIVES Actualités culturelles et programmes d'enseignement - Collège HDA 2024-2025

Béatrice Jaffre, Mélie Jouassin — 2025-01-06T13:58:00Z

ARTS ET SOCIÉTÉ À L'ÉPOQUE ANTIQUE ET AU HAUT MOYEN ÂGE
Faire parler les pierres. Sculptures médiévales de Notre-Dame Du 19 novembre 2024 au 16 mars 2025 Musée de Cluny "Le musée de Cluny conserve une partie importante du décor médiéval sculpté de la cathédrale Notre-Dame de Paris. Celles-ci n'avaient pas fait l'objet d'une étude approfondie depuis le début des années 1980. L'exposition "Faire parler les pierres. Sculptures médiévales de Notre-Dame" promet de renouveler la connaissance sur ces collections, en révélant les résultats de l'important programme d'étude et de restauration mené depuis 2022. Aux œuvres habituellement présentées dans la salle des sculptures de Notre-Dame s'ajoutent dans l'exposition des pièces encore jamais montrées au public. Une sélection de fragments permet d'évoquer les corps disparus des statues colossales de la galerie des rois. Un dossier consacré à la statue d'Adam, chef-d'œuvre de la sculpture gothique, déroule son parcours mouvementé jusqu'à nos jours. La scénographie restitue la disposition des fragments restaurés du portail Sainte-Anne et des linteaux du portail du Jugement dernier. Les traces de polychromie retrouvées de ces œuvres sont également mises en valeur. ". En savoir plus sur l'exposition

ARTS ET SOCIÉTÉ À L'ÉPOQUE ANTIQUE ET AU HAUT MOYEN ÂGE

Faire parler les pierres. Sculptures médiévales de Notre-Dame
Du 19 novembre 2024 au 16 mars 2025
Musée de Cluny
"Le musée de Cluny conserve une partie importante du décor médiéval sculpté de la cathédrale Notre-Dame de Paris. Celles-ci n'avaient pas fait l'objet d'une étude approfondie depuis le début des années 1980. L'exposition "Faire parler les pierres. Sculptures médiévales de Notre-Dame" promet de renouveler la connaissance sur ces collections, en révélant les résultats de l'important programme d'étude et de restauration mené depuis 2022.
Aux œuvres habituellement présentées dans la salle des sculptures de Notre-Dame s'ajoutent dans l'exposition des pièces encore jamais montrées au public. Une sélection de fragments permet d'évoquer les corps disparus des statues colossales de la galerie des rois. Un dossier consacré à la statue d'Adam, chef-d'œuvre de la sculpture gothique, déroule son parcours mouvementé jusqu'à nos jours.
La scénographie restitue la disposition des fragments restaurés du portail Sainte-Anne et des linteaux du portail du Jugement dernier. Les traces de polychromie retrouvées de ces œuvres sont également mises en valeur. ".

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LE SACRE DE L'ARTISTE (XVIe SIÈCLE - DÉBUT XVIIe SIÈCLE)
Ribera. Ténèbres et lumières Du 05 novembre 2024 au 23 février 2025 Petit Palais " Dans le sillage du Caravage, Jusepe de Ribera, artiste espagnol installé en Italie, s'impose comme l'un des interprètes les plus fascinants de la peinture d'après nature. Artiste hors-pair par sa capacité à retranscrire une réalité presque tactile des individus, des chairs et des objets, il traduit avec une acuité bouleversante la dignité du quotidien et les drames humains. D'une radicalité extrême, il privilégie un réalisme cru, la violence des clairs obscurs et des compositions dramatiques. Comme personne, il travaille la matière picturale pour faire apparaître une rugosité inédite. Sa peinture, à la fois brutale et poétique, propose une interprétation éminemment personnelle de la révolution du Caravage. L'exposition sera aussi l'occasion de faire la part belle à l'œuvre graphique de l'artiste, avec de nombreux dessins et gravures, une rareté au sein des principaux interprètes du caravagisme. Les récentes découvertes ont par ailleurs permis d'augmenter son corpus romain avec un ensemble de peintures préalablement attribuées au Maître du Jugement de Salomon, éclairant d'un jour nouveau le début de sa carrière. Ribera s'impose désormais comme l'un des interprètes majeurs de la peinture caravagesque, l'un des plus précoces et des plus radicaux". En savoir plus sur l'exposition

LE SACRE DE L'ARTISTE (XVIe SIÈCLE - DÉBUT XVIIe SIÈCLE)

Ribera. Ténèbres et lumières
Du 05 novembre 2024 au 23 février 2025
Petit Palais
" Dans le sillage du Caravage, Jusepe de Ribera, artiste espagnol installé en Italie, s'impose comme l'un des interprètes les plus fascinants de la peinture d'après nature. Artiste hors-pair par sa capacité à retranscrire une réalité presque tactile des individus, des chairs et des objets, il traduit avec une acuité bouleversante la dignité du quotidien et les drames humains.
D'une radicalité extrême, il privilégie un réalisme cru, la violence des clairs obscurs et des compositions dramatiques. Comme personne, il travaille la matière picturale pour faire apparaître une rugosité inédite. Sa peinture, à la fois brutale et poétique, propose une interprétation éminemment personnelle de la révolution du Caravage. L'exposition sera aussi l'occasion de faire la part belle à l'œuvre graphique de l'artiste, avec de nombreux dessins et gravures, une rareté au sein des principaux interprètes du caravagisme. Les récentes découvertes ont par ailleurs permis d'augmenter son corpus romain avec un ensemble de peintures préalablement attribuées au Maître du Jugement de Salomon, éclairant d'un jour nouveau le début de sa carrière. Ribera s'impose désormais comme l'un des interprètes majeurs de la peinture caravagesque, l'un des plus précoces et des plus radicaux".

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ÉTAT, SOCIÉTÉ ET MODES DE VIE (XIIIe-XVIIIe SIÈCLES)
L'Avare de Molière mise en scène Lilo Baur Du 18 septembre 2024 au 1er janvier 2025 Comédie-Française "Harpagon projette de marier « sans dot » sa fille Élise à un riche marchand qui pourrait être son père, et son fils Cléante à une riche veuve. Il va sans dire qu'aucun des deux n'y consent et que Molière, qui interprète le rôle d'Harpagon à la création en 1668 au Théâtre du Palais-Royal, défend par sa plume les amoureux contre l'autorité paternelle, Élise étant éprise de Valère qui s'introduit dans le foyer déguisé en intendant, Cléante convoitant Mariane sans savoir que son père a l'intention de l'épouser. Au thème du mariage forcé, le dramaturge ajoute ici celui du rapport père-fils et de la quête d'une éternelle jeunesse, relève la metteuse en scène Lilo Baur dont on se souvient de la récente Puce à l'oreille de Feydeau sur ce même plateau et que l'on retrouvera en fin de saison au Théâtre du Vieux- Colombier pour la mise en scène de La Souricière d'Agatha Christie. Elle situe la pièce au bord de son lac Léman natal, dans la période d'après-guerre, à la fois proche de nous mais loin de l'émancipation féminine, parentale et sociétale gagnée depuis. Et, de cet usurier sans scrupule qui accumule ses richesses dans une cassette, « à l'image des grandes banques, avec tous ces lingots et ces bijoux enfermés dans des coffres comme dans des mausolées », elle tire les fils de sa mise en scène enlevée. Femme de plateau à l'imagination débordante qui construit son théâtre en laissant place à l'improvisation, comme Molière en son temps avec sa troupe, Lilo Baur exploite le comique de situation de ce texte aux scènes légendaires, de la fouille du valet La Flèche à la cassette volée, et met en valeur « les sentiments exacerbés de la jeunesse, amoureuse ou enragée »". En savoir plus sur le spectacle
Le Malade imaginaire de Molière mise en scène Claude Stratz Du 19 septembre 2024 au 26 janvier 2025 Comédie-Française "« La dernière pièce de Molière commence dans les teintes d'une journée finissante. C'est une comédie crépusculaire teintée d'amertume et de mélancolie. » C'est par ces mots que Claude Stratz, aujourd'hui disparu, dépeint Le Malade imaginaire qu'il met en scène en 2001, et qui, joué plus de 500 fois depuis, fait partie de ces spectacles intemporels visités par des générations de comédiennes et comédiens de la Troupe. La mise en scène épurée restitue la palette infinie de cette comédie-ballet. 10 février 1673, Molière, dans le rôle d'Argan, crée sa nouvelle œuvre où il est question de vrai ou faux malade, de vrai ou faux médecin, de vrai ou faux maître de musique, de vraie comédie mais aux accents dramatiques. Sept jours plus tard, alors qu'il donne la quatrième représentation de la pièce, la maladie pulmonaire qu'il vient de contracter l'oblige à s'interrompre et l'emporte quelques heures après. Tentant dès lors de voir planer sur le personnage d'Argan l'ombre du dramaturge mourant qui « dans son propre malheur choisit de nous faire rire », même si l'histoire nous apprend que Molière n'était pas souffrant lorsqu'il écrivit son ultime pièce. Si le charlatanisme des médecins est un thème privilégié de l'auteur, c'est la science médicale elle-même qui est attaquée dans cette farce satirique, doublée d'une sombre et lucide méditation sur la peur de la mort. Victime des intrigues de Lully, en disgrâce royale, abattu par la mort de son fils et de son amie de toujours, Madeleine Béjart, Molière livre malgré tout ici une de ses plus brillantes comédies". En savoir plus sur le spectacle
Figures du Fou. Du Moyen Âge aux romantiques Du 16 octobre 2024 au 03 février 2025 Louvre "Étudiée par l'histoire sociale et culturelle, la fascinante figure du fou, qui faisait partie de la culture visuelle des hommes du Moyen Âge, l'a rarement été du point de vue de l'histoire de l'art : pourtant entre le XIIIe et le milieu du XVIe siècle, la notion de folie a inspiré et stimulé la création artistique, aussi bien dans le domaine de la littérature que dans celui des arts visuels. Cette exposition ambitieuse et stimulante entend aborder la figure typiquement médiévale du fou à travers ses représentations. Elle rassemblera au sein d'un parcours chronologique et thématique plus de 300 œuvres : sculptures, objets d'art (ivoires, coffrets, petits bronzes), médailles, enluminures, dessins, gravures, peintures sur panneau, tapisseries". En savoir plus sur l'exposition
Malandain Ballet Biarritz : Marie-Antoinette Du Jeudi 6 au dimanche 9 mars 2025 Opéra Royal du Château de Versailles "La dernière Reine de France, au destin exceptionnel, tragique et glamour à la fois, méritait un ballet : Thierry Malandain lui a brodé un costume sur mesure pour un spectacle haut en couleur et profondément dédié à Versailles et à son Opéra Royal. Désignée comme le mauvais génie du royaume et rendue responsable de tous ses malheurs, avant qu'on emporte son corps sur une brouette, la tête entre les jambes… Marie-Antoinette, sans son insouciance, sans ses réticences à sa fonction de Reine, sans Trianon, sans ses favorites, ses coquetteries, ses diamants, sans les décris de la cour grossis par les pamphlets et les caricatures, sans la Révolution et la croyance que le sang versé concourait au progrès, aurait certainement poursuivi son existence frivole et ne serait pas morte suppliciée. Comment une Reine adorée de tout un peuple, perdit-elle son affection avant de mourir de sa haine ? Comment celle qui incarnait le symbole de la royauté aida-t-elle à en précipiter la chute ? Le ballet de Thierry Malandain retrace le parcours de Marie-Antoinette à Versailles : de son arrivée à la cour, jour de son mariage et de l'inauguration de l'Opéra Royal, à son départ en octobre 1789, qui l'emporte vers son destin… Magnifique spectacle créé en 2019 à l'Opéra Royal de Versailles". En savoir plus sur le spectacle
Le Bourgeois gentilhomme, comédie-ballet de Molière mise en scène Valérie Lesort et Christian Hecq Du 07 mai 25 juillet 2025 Comédie-Française "En juin 2021, le tandem Valérie Lesort et Christian Hecq crée une version ébouriffante du « Bourgeois gentilhomme », au rythme enlevé de la musique des Balkans. Les « turqueries » sont à la mode en 1670 quand Molière écrit cette comédie pour l'une des opulentes fêtes royales. Il excelle autant dans la représentation de cet exotisme, alors au goût du jour, que dans la caricature du bourgeois rompu à l'apprentissage des bonnes manières propres aux « gens de qualité ». Ici, le plateau entier est rendu à l'esprit fantasque de cet homme qui s'exerce avec piètre adresse à la danse et à l'escrime, s'initie à la philosophie avec la curiosité d'un enfant. Premières à le brocarder, son épouse et sa servante s'opposent à son surcroît d'autorité, surtout lorsqu'il refuse de donner la main de sa fille à Cléonte parce qu'il n'est pas gentilhomme. La raillerie est à son comble grâce à la ruse du valet qui introduit chez lui l'amoureux déguisé « en grand Turc », offrant un final d'anthologie avec la scène du Mamamouchi. Valérie Lesort et Christian Hecq se délectent allègrement de tout ce qui nourrit l'excentricité de ce Monsieur Jourdain frénétiquement attiré par les ors royaux : « il est d'une naïveté sans bornes et cette naïveté nous touche particulièrement, confient-ils. Comme beaucoup d'artistes, nous travaillons avec l'enfance et Molière fait de son Bourgeois un enfant qui “veut jouer à”. [...] Les rêves d'enfant sont les plus puissants parce qu'ils ne sont pas encore abîmés par la contrainte de l'éducation, les normes imposées. Ce sont des rêves purs. » La poésie comme la folie de l'imaginaire gardées du jeune âge se retrouvent à chaque endroit de ce spectacle pour tous les publics". En savoir plus sur le spectacle

L'ART AU TEMPS DES LUMIÈRES ET DES RÉVOLUTIONS (1750-1850)
Mayerling. Ballet de Kenneth MacMillan Du 29 octobre au 16 novembre 2024 Opéra Garnier "Mayerling, c'est le nom du pavillon de chasse dans lequel fut retrouvé mort l'héritier de l'Empire austro‑hongrois, Rodolphe, en 1889. Pourquoi le fils de l'Empereur François‑Joseph et d'Elisabeth (la fameuse Sissi) s'est-il suicidé en compagnie de sa maîtresse, la jeune Mary Vetsera ? De cet événement historique nimbé de mystère, Kenneth MacMillan a conçu un ballet créé en 1978 à Londres et entré au répertoire de l'Opéra national de Paris en 2022. En proie à des addictions et à des pensées suicidaires, personnage tourmenté et malmené par l'Histoire, Rodolphe permet au chorégraphe de développer des thèmes qui lui sont chers. Sur la musique fiévreuse de Franz Liszt, Mayerling déploie une chorégraphie d'une grande théâtralité. Les scènes grandioses s'entrelacent aux scènes intimes, dans des costumes somptueux dont les teintes automnales traduisent le déclin d'un monde amené à disparaître.". En savoir plus sur le spectacle
Guillon Lethière, né à la Guadeloupe Du 13 novembre 2024 au 17 février 2025 Louvre "Cette exposition co-organisée par le Clark Art Institute de Williamstown et le musée du Louvre est la première monographie d'envergure consacrée à un artiste aujourd'hui largement oublié, qui fut pourtant "l'une des grandes autorités de son temps" (Charles Blanc). Né en Guadeloupe d'une mère esclave libérée d'origine africaine et d'un père officier royal, il a été formé à Rouen puis à Paris sous l'Ancien Régime et a connu une brillante carrière officielle ; directeur de l'Académie de France à Rome (1807-1816), élu membre de l'Institut en 1818, il fut professeur à l'école des Beaux-Arts à partir de 1819. Il fut aussi un grand collectionneur conseiller de Lucien Bonaparte. Sa production illustre le parcours d'un artiste confronté aux bouleversements de son époque et à la succession des régimes de la Révolution à la Monarchie de Juillet. L'essentiel de son œuvre peint et dessiné a pour sujet l'histoire antique. Il débute dans le triomphe du néo-classicisme davidien et sa persévérance dans cette voix causera son discrédit à la fin des années 1820, alors que la jeune génération des artistes romantiques s'impose progressivement. L'héroïsme antique lui a inspiré deux immenses toiles de près de huit mètres de long conservées au Louvre, Brutus condamnant ses fils à mort, achevé à Rome en 1811, et La Mort de Virginie (1828).". En savoir plus sur l'exposition
Paris 1793-1794 Du 16 octobre 2024 au 16 février 2025 Musée Carnavalet "Pour la première fois, le musée Carnavalet - Histoire de Paris, de référence mondiale pour ses collections de la Révolution française, prend le parti de singulariser une seule année révolutionnaire, sans doute la plus complexe. L' « An II » du calendrier républicain, correspondant à la période allant du 22 septembre 1793 au 21 septembre 1794, est une année décisive de la Révolution française. 1789, année de la Prise de la Bastille et de la Déclaration des Droits de l'Homme et du Citoyen, serait la glorieuse année de la Révolution, et même de la Révolution française tout entière. L'année pendant laquelle Paris se serait définitivement imposée comme la capitale des Lumières et des Révolutions. Mais face à la clarté de « 89 », « 93 » apparaît bien plus ténébreuse et embarrassante. À peine achevée, la longue année politique qui s'écoule du printemps 1793 jusqu'à l'été 1794 a en effet trouvé un nom : la « Terreur ». Fabriqué pour des raisons politiques, le mot évoque la transition autoritaire du nouveau régime républicain. Pourtant, les années 1793 et 1794 sont aussi ce que d'autres, confiants dans leur capacité à réinventer l'histoire, ont appelé l' « An II » : une année de rupture avec le passé et de relance des utopies révolutionnaires". En savoir plus sur l'exposition

DE LA BELLE ÉPOQUE AUX "ANNÉE FOLLES" : L'ÈRE DES AVANT-GARDES (1870-1930)
La naissance des grands magasins. Mode, design, jouets, publicité, 1852-1925 Jusqu'au 13 octobre 2024 MAD "Le musée des Arts décoratifs consacre, du 10 avril au 13 octobre 2024, une exposition à la naissance des grands magasins, qui deviennent au milieu du XIXe siècle les nouveaux temples de la modernité et de la consommation. Au Bon Marché, Les Grands Magasins du Louvre, Au Printemps, La Samaritaine, et Les Galeries Lafayette dévoilent leurs facettes à travers l'histoire, la politique et la société, du Second Empire jusqu'à leur consécration lors de l'Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes de 1925". En savoir plus sur l'exposition
Caillebotte. Peindre les hommes Du 08 octobre 2024 au 19 janvier 2025 Musée d'Orsay "L'exposition présentée au musée d'Orsay à l'automne 2024 prend pour sujet la prédilection de Gustave Caillebotte (1848-1894) pour les figures masculines et les portraits d'hommes, et ambitionne d'interroger la modernité si radicale des chefs-d'œuvre de l'artiste au prisme du nouveau regard que l'histoire de l'art porte sur les masculinités du XIXe siècle. Dans sa volonté de produire un art vrai et neuf, Caillebotte prend pour sujet son environnement immédiat (le Paris d'Haussmann, les villégiatures des environs de la capitale), les hommes de son entourage (ses frères, les ouvriers travaillant pour sa famille, ses amis régatiers, etc.) et en fin de compte sa propre existence. Répondant au programme « réaliste », il fait entrer dans la peinture des figures nouvelles comme l'ouvrier urbain, l'homme au balcon, le sportif ou encore l'homme nu dans l'intimité de sa toilette. À l'époque du triomphe de la virilité et de la fraternité républicaine, mais aussi de première crise de la masculinité traditionnelle, la nouveauté et la puissance de ces images questionnent aussi bien l'ordre social que sexuel. Au-delà de sa propre identité, celle de jeune et riche célibataire parisien, Caillebotte porte au cœur de l'impressionnisme et de la modernité une profonde interrogation sur la condition masculine". En savoir plus sur l'exposition
Cyrano de Bergerac d'Edmond Rostand mise en scène Emmanuel Daumas Du 4 novembre 2024 au 23 février 2025 Comédie-Française "Parce que la Comédie-Française est un théâtre en renouvellement permanent, la Troupe se lançait la saison dernière dans un nouveau « Cyrano de Bergerac ». Pour cette pièce légendaire aux nombreuses tirades tubesques, du « nez » aux « non merci », Emmanuel Daumas fait le pari de la vivacité de la jeunesse : autour des personnages de Cyrano, Christian, Roxane, les autres membres de la distribution ont la charge réjouissante d'interpréter une cinquantaine de rôles. L'histoire de Cyrano, aussi à l'aise dans le maniement de l'épée que dans celui des mots – prêtant sa plume à Christian pour séduire Roxane, dont il est secrètement amoureux – se déploie dans un décor faisant la part belle au ludique et au merveilleux. Ainsi, passant d'un baroque florissant pour l'Hôtel de Bourgogne ou chez Ragueneau, au féerique et au naïf – entre Méliès et Cocteau – pour la scène du balcon, le plateau s'épure quand Roxane rejoint, au péril de sa vie, ses deux êtres chers au camp d'Arras où la mort rôde autour d'un festin de riens imaginaires bouleversant de justesse. Retirée dans un couvent, Roxane ne comprend combien elle a été leurrée qu'au dernier souffle de Cyrano. Dans un dispositif onirique, cette comédie héroïque, drame historique aux élans romantiques, met à nu l'humanité du héros qui, jusque dans sa mort, aura vécu pour le panache. Ce va-t-en-guerre assoiffé d'idéal mais retenu par une détestation de soi et une peur du réel, choisit la beauté de Christian à la façon d'un avatar, relève Emmanuel Daumas qui cite Marcel Proust pour évoquer le rêve de Cyrano : « Il vaut mieux rêver sa vie que la vivre, encore que la vivre ce soit encore la rêver. »". En savoir plus sur le spectacle
L'art est dans la rue Du 18 mars au 06 juillet 2025 Musée d'Orsay "« L'art est dans la rue » est la première exposition du musée d'Orsay consacrée au développement spectaculaire de l'affiche illustrée en couleurs à la fin du XIXe siècle. À travers un ensemble unique d'œuvres dues aux « Maîtres de l'affiche », elle montre comment ce médium s'est vu élevé « au rang de la peinture murale », selon les mots du critique d'art Roger Marx. Cette plongée dans l'âge d'or de l'affiche illustrée s'intéresse aussi à l'essor de la consommation et de la culture de masse dont elle a été à la fois un vecteur et un symptôme. Dessins, objets d'art, photographies, tableaux… évoquent l'univers effervescent de la rue à la « Belle Époque », dont les affiches ont contribué à façonner l'image". En savoir plus sur l'exposition
La mode en mouvement#2 Du 26 avril 2024 au 05 janvier 2025 Palais Galliera "le Palais Galliera dévoile La Mode en mouvement #2. Avec plus de 250 nouvelles œuvres présentées au cours de ce deuxième accrochage, l'exposition retrace, à travers les collections du musée, une histoire de la mode du XVIIIe siècle à nos jours et développe la thématique transversale du corps en mouvement. Un focus est également dédié au balnéaire, révélant des pièces rarement montrées au public (...) Le vêtement conçu pour le sport (équitation, tennis, golf, bicyclette...) est mis en regard du vestiaire de ville. Cette deuxième présentation permet au public de mesurer la spécialisation progressive du vêtement sportif comme l'introduction du sportswear dans le vestiaire quotidien. La section balnéaire s'intéresse aux bains de mer et à la natation, symboles de la démocratisation de la pratique sportive dès la fin du XIXe siècle. L'occasion de découvrir l'importante collection de costumes de bain, maillots de bain, tenues et accessoires de plage, conservés au Palais Galliera. Cette section met en exergue l'évolution du rapport au corps à travers son dévoilement dans la sphère publique ainsi que la notion de pudeur et de décence. Elle révèle également la transformation des canons de beauté, notamment à travers la question du bronzage". En savoir plus sur l'exposition
Gabriele Münter - Peindre sans détours Du 4 avril au 24 août 2025 Musée d'Art Moderne de la ville de Paris "Le Musée d'Art Moderne de Paris présente la première rétrospective en France consacrée à l'artiste allemande Gabriele Münter (1877-1962). Co-fondatrice du cercle munichois du Cavalier Bleu (Blaue Reiter), Gabriele Münter compte parmi les femmes artistes les plus éminentes de l'expressionnisme allemand. Dans un monde artistique dominé par les hommes, elle a su créer une œuvre extrêmement personnelle et diverse qui s'étend sur six décennies. Si son nom reste souvent associé à celui de Kandinsky qui fut son compagnon durant ses années munichoises (1903-1914), Gabriele Münter n'a jamais cessé de se renouveler, avec une étonnante modernité, maitrisant un grand nombre de techniques et laissant une œuvre foisonnante. À la suite des rétrospectives très remarquées consacrées à Sonia Delaunay en 2014-2015, Paula Modersohn-Becker en 2016 et Anna-Eva Bergman en 2023, le MAM poursuit ainsi sa politique de présentation de figures féminines majeures de l'Art moderne dont les parcours artistiques sont étroitement liés à la capitale. Le musée invite à découvrir cette pionnière de l'Art moderne, qui débuta sa carrière à Paris, où elle exposa pour la première fois en 1907 au Salon des Indépendants". En savoir plus sur l'exposition
Eugène Boudin : le père de l'Impressionnisme, une collection particulière Du 9 avril au 31 août 2025 Musée Marmottan Monet "Le musée Marmottan Monet présente du 9 avril au 31 août 2025 l'exposition « Eugène Boudin, le père de l'impressionnisme : une collection particulière ». Cet événement, sous le commissariat de l'historien de l'art Laurent Manœuvre, réunit 80 œuvres provenant de la prestigieuse collection de Yann Guyonvarc'h, 10 toiles de l'institution parisienne ainsi que plusieurs prêts du musée des Beaux-Arts d'Agen et du musée d'art moderne André Malraux du Havre. Son parcours en 8 sections permet de découvrir l'évolution de la carrière de Boudin (1824-1898), depuis ses premiers paysages normands jusqu'aux ultimes marines du Midi ou de Venise, et de le suivre en Bretagne, à Bordeaux, dans le Nord, en Belgique ou aux Pays-Bas, au travers d'esquisses comme de peintures ambitieuses destinées au Salon". En savoir plus sur l'exposition
Maximilien Luce, l'instinct du paysage Du 21 mars 2025 au 14 septembre 2025 Musée de Montmartre "Pionnier du néo-impressionnisme, pilier des milieux anarchistes et libertaires, Maximilien Luce (1858-1941) a marqué son époque par un engagement artistique et politique profond. Peintre des paysages urbains et ruraux et de la condition humaine, il a su capturer les transformations sociales et industrielles de son temps avec une sensibilité unique. Première rétrospective parisienne depuis 1983 dédiée à ce peintre majeur du néo-impressionnisme, l'exposition se tient à quelques pas des lieux où Luce a résidé de 1887 à 1900, rue Cortot. Ancré dans l'histoire montmartroise et dans les contradictions de son époque, le travail du peintre est mis en lumière dans cette exposition qui vise à réaffirmer son importance et fait découvrir son œuvre souvent méconnu au grand public". En savoir plus sur l'exposition
Sargent - Les années parisiennes (1874-1884) Du 23 septembre 2025 au 11 janvier 2026 Musée d'Orsay "John Singer Sargent (Florence, 1856 – Londres, 1925) est, avec James McNeill Whistler, l'artiste américain le plus célèbre de sa génération et sans doute l'un des plus grands peintres du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Adulé aux États-Unis (son portrait de Madame X est considéré comme la Joconde de la collection d'art américain du Metropolitan Museum of Art à New York), il est aussi célébré au Royaume-Uni où il a effectué la majeure partie de sa carrière. En France, cependant, son nom et son œuvre restent très largement méconnus, ce que l'exposition du musée d'Orsay à l'automne 2025 espère changer". En savoir plus sur l'exposition

LES ARTS ENTRE LIBERTÉ ET PROPAGANDE (1910-1945)
Surréalisme Du 4 septembre 2024 au 13 janvier 2025 Centre Pompidou "Associant peintures, dessins, films, photographies et documents littéraires, l'exposition présente les œuvres des artistes emblématiques du mouvement (Salvador Dalí, René Magritte, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Joan Miró) mais aussi celles des surréalistes femmes (parmi lesquelles Leonora Carrington, Ithell Colquhoun, Dora Maar). À la fois chronologique et thématique, le parcours est rythmé par 14 chapitres évoquant les figures littéraires ayant inspiré le mouvement (Lautréamont, Lewis Carroll, Sade...) et les principes poétiques qui structurent son imaginaire (l'artiste-médium, le rêve, la pierre philosophale, la forêt...). Au cœur de l'exposition, un « tambour » central abritant le manuscrit original du Manifeste, prêt exceptionnel de la Bibliothèque nationale de France. Une projection multimédia accompagne la découverte de ce document unique, éclairant sa genèse et son sens." En savoir plus sur l'exposition
Jacques Prévert, le rêveur d'images Du 18 octobre 2024 au 16 février 2025 Musée de Montmartre "'œuvre de Jacques Prévert (1900-1977) a marqué le 20ème siècle et touché de nombreuses générations. Par son imagination foisonnante et sa créativité débordante, il donne vie à une œuvre unique, pleine de magie et d'humanité. À l'occasion de la célébration du centenaire du surréalisme et du soixante-dixième anniversaire de l'installation de Prévert en 1955 au 6 bis, Cité Véron – juste au-dessus du Moulin Rouge dans le 18ème arrondissement – le musée de Montmartre met à l'honneur celui qu'on connaît d'abord et surtout comme poète et scénariste, mais dont la création s'étend bien au-delà. Car Jacques Prévert est un artiste aux multiples facettes. Parolier et auteur de chansons, dramaturge, humaniste engagé, pleinement surréaliste, il a également consacré une part importante de sa vie aux arts visuels : planches de scénarios illustrées, collaborations artistiques avec des peintres, sculpteurs et photographes, collages surréalistes, Éphémérides…" En savoir plus sur l'exposition
Paul Poiret, couturier, décorateur et parfumeur Du 25 juin 2025 au 11 janvier 2026 MAD "« Paul Poiret, couturier, décorateur et parfumeur » offre une immersion dans son univers créatif, explorant son audace et sa puissance artistique à travers la mode, les arts décoratifs, la parfumerie, la fête, et même la gastronomie, dans le contexte culturel bouillonnant des premières décennies du XXe siècle. En mettant en lumière l'influence durable de son œuvre sur les stylistes contemporains, l'exposition offre une expérience captivante, avec une sélection d'œuvres, de documents et de témoignages." En savoir plus sur l'exposition

LES ARTS À L'ÈRE DE LA CONSOMMATION DE MASSE (DE 1945 À NOS JOURS)
We Are Here. Une exploration d'art urbain Jusqu'au17 novembre 2024 Petit Palais "Pour la première fois, le Petit Palais ouvre ses portes aux artistes d'art urbain, les invitant à engager un dialogue subtil avec ses collections permanentes et son architecture. Une véritable exploration d'art urbain s'offre ainsi aux visiteurs à travers un parcours d'œuvres inédites, accessible gratuitement. Treize artistes majeurs du mouvement Street art comme Shepard Fairey, Invader, D*Face, Seth, Cleon Peterson, Hush, Swoon, Vhils, Inti, Add Fuel ou encore Conor Harrington investissent le Petit Palais avec des œuvres monumentales et tissent des liens avec les collections du musée. Cette déambulation conduit le visiteur jusqu'à une installation de plus de 200 œuvres, présentée dans une seule salle des collections. Cet accrochage spectaculaire a été pensé comme un hommage aux différents Salons comme le Salon des Refusés ou le Salon d'Automne, à l'origine de nombreuses révolutions artistiques au tournant des XIXe et XXe siècles. Dans cet esprit, les œuvres réunies dans cette salle ont été créées par des artistes majeurs qui ont écrit et continuent d'écrire l'histoire du mouvement Street art. Une scénographie immersive invite le public à plonger dans toute la diversité et la richesse de ce mouvement artistique". En savoir plus sur l'exposition
Tara, l'art et la science pour révéler l'Océan Du 16 novembre 2024 au 02 mars 2025 104 "À travers le regard d'artistes, la Fondation Tara Océan et le CENTQUATRE-PARIS explorent les enjeux environnementaux, sociétaux et poétiques liés à l'Océan, au cœur d'une exposition où les œuvres présentées dévoilent la richesse et la fragilité du plus vaste écosystème sur Terre." En savoir plus sur l'exposition
L'art de James Cameron Du 04 avril 2024 au 05 janvier 2025 Cinémathèque "Réputés pour leurs effets visuels à la pointe de la technologie, ces films ont repoussé les limites de ce que les spectateurs croyaient possible ; pourtant, les idées de Cameron sont nées dans les pages de ses carnets à dessin d'enfant. L'Art de James Cameron montre comment les thèmes et les motifs clés de son œuvre ont évolué à partir de ces premières esquisses, jusqu'à trouver une expression ultime dans des plans de cinéma iconiques. Cette évolution a été ardue et difficile. Tout au long de sa carrière, l'immense imagination de Cameron s'est souvent heurtée aux contraintes de la technologie existante, à tel point que le réalisateur a dû piloter un certain nombre d'innovations pour pouvoir donner vie à ses visions. Son infatigable créativité nous a donc offert des films marquants, comme Aliens (1986), Titanic (1997) et Avatar (2009), tout en révolutionnant le cinéma grâce à ses efforts répétés pour repousser toujours plus loin la limite des effets spéciaux". En savoir plus sur l'exposition
DISCO Du 14 février au 17 août 2025 Philharmonie de Paris "Née aux États-Unis au début des années 1970, la musique disco devient rapidement un phénomène planétaire. À rebours des clichés, cette exposition rend justice à la fulgurance de cette musique fortement ancrée dans l'histoire et la culture noires des États-Unis, héritière de la soul, du gospel et du funk. Un ensemble d'archives audiovisuelles, de photographies, d'instruments et de costumes souligne la dimension politique et festive de cette musique qui a porté sur la piste de danse différentes minorités et classes sociales, toutes réunies dans un même élan hédoniste. Accompagnée d'une bande-son mixée par Dimitri from Paris, l'exposition insiste sur l'esthétique que le disco a suscité auprès des artistes et des designers". En savoir plus sur l'exposition
Pop Forever, Tom Weeselman &... Du 16 octobre 2024 au 24 février 2025 Fondation Louis Vuitton "L'exposition sera centrée autour de Tom Wesselmann (1931-2004), une des figures de proue du mouvement, au travers d'une sélection de 150 peintures et œuvres de divers matériaux. Elle regroupera, en outre, 70 œuvres de 35 artistes de générations et nationalités différentes qui partagent une sensibilité « Pop », allant de ses racines dadaïstes à ses prolongements contemporains, des années 1920 à nos jours". En savoir plus sur l'exposition
L'Âge atomique. Les artistes à l'épreuve de l'histoire Du 11 octobre 2024 au 09 février 2025 Musée d'Art Moderne de la ville de Paris "Le Musée d'Art Moderne de Paris propose de revisiter l'histoire de la modernité au XXème siècle à travers l'imaginaire de l'atome. L'exposition nous invite à une exploration des représentations artistiques suscitées par la découverte scientifique de l'atome et de ses applications, en particulier la bombe nucléaire dont les conséquences dévastatrices ont changé le destin de l'humanité. En réunissant près de 250 œuvres (peintures, dessins, photo, vidéo et installations), ainsi qu'une documentation souvent inédite, l'exposition montre, pour la première fois dans une institution française, les positions très différentes prises par les artistes face aux avancées scientifiques et aux controverses qu'elles suscitent. Traitant d'un sujet plus que jamais d'actualité, elle s'inscrit dans la volonté du musée de faire écho, dans sa programmation, aux préoccupations culturelles et sociétales contemporaines". En savoir plus sur l'exposition
Arte Povera Du 9 octobre 2024 au 20 janvier 2025 Bourse de Commerce / Pinault collection "L'exposition, dont le commissariat est assuré par Carolyn Christov-Bakargiev, spécialiste internationalement reconnue de l'Arte Povera, entend retracer aussi bien la naissance italienne que le rayonnement international du mouvement, au travers d'un large ensemble d'œuvres majeures des treize principaux protagonistes de l'Arte Povera. L'exposition présentera l'important fonds d'Arte Povera de la Collection Pinault, en résonnance avec des œuvres du musée Castello di Rivoli et de la Fondazione per l'Arte Moderna e Contemporanea CRT. L'exposition accueillera également les prêts de plusieurs autres grandes collections publiques et privées, tant françaises qu'italiennes, dont celles des artistes de l'Arte Povera eux-mêmes. Au milieu des années 1960, certains artistes italiens commencent à exposer ensemble et à être associés à l'« Arte Povera », terme inventé en 1967 par le critique d'art et commissaire d'exposition Germano Celant, qui l'a adapté au concept de « théâtre pauvre » du metteur en scène de théâtre expérimental polonais Jerzy Grotowski". En savoir plus sur l'exposition
Le Dibbouk. Fantôme du monde disparu Du 26 septembre 2024 au 26 janvier 2025 Musée d'art et d'histoire du Judaïsme "Dans la culture populaire juive, un dibbouk désigne une âme errante qui prend possession d'un vivant, selon une croyance qui s'est développée en Europe orientale à partir du XVIIIe siècle. Le dibbouk fait partie des créatures surnaturelles qui ont dépassé le domaine de la superstition, pour devenir un thème inspirant les artistes d'hier et d'aujourd'hui. Le mahJ lui consacre une foisonnante exposition, mêlant théâtre, cinéma, musique, littérature, et culture populaire". En savoir plus sur l'exposition
Zombis, la mort n'est pas une fin Du 08 octobre 2024 au 16 février 2025 Musée du quai Branly "Direction Haïti, aux sources du mythe du zombi. Loin de « Walking Dead » et « World War Z », l'exposition dévoile les fantasmes, croyances et craintes nichés derrière la figure du « non-mort » le plus célèbre au monde. Oubliez tout ce que vous croyez savoir sur les zombis ... Loin des morts-vivants contagieux du cinéma et de la pop culture, l'exposition vous emmène en Haïti sur les traces d'un véritable mythe (...) En Haïti, la figure du zombi prend forme en marge de la culture vaudou, via les pratiques de ses sociétés secrètes - et notamment la société bizango-dont le rôle judiciaire lui confère le pouvoir de zombification. Jugé et condamné, le zombi est en réalité un criminel privé de liberté, rendu esclave et gardé dans un état d'hébétude au service d'un maître (bokor). Entre savoir et fiction, l'exposition donne à voir les réalités qui se cachent derrière la peur de cet iconique« non-mort ». En filigrane, elle explore la construction du mythe dans l'imaginaire collectif occidental, depuis son évocation en 1697 dans le roman de !'écrivain français Pierre-Corneille Blessebois jusqu'au légendaire film de George A. Romero, La Nuit des morts-vivants". En savoir plus sur l'exposition
Tous Léger ! Avec Niki de Saint Phalle, Yves Klein, Martial Raysse, Keith Haring Du 19 mars au 20 juillet 2025 Musée du Luxembourg "Grâce à un partenariat inédit entre deux collections majeures du territoire de la Côte d'Azur, les œuvres de Niki de Saint Phalle, Arman, Yves Klein, Raymond Hains, Martial Raysse ou encore César viennent à la rencontre des innovations plastiques de Fernand Léger, l'un des pionniers de l'avant-garde au XXe siècle. Aux côtés de ces principaux représentants du Nouveau Réalisme, des œuvres d'artistes tels Roy Lichtenstein ou plus tard Keith Haring, illustrent les échanges artistiques qui ont très tôt existé entre la création européenne et la scène américaine. Le parcours de l'exposition, composé de près de 100 œuvres, aborde, sur un mode ludique et créatif, différents axes thématiques : le détournement de l'objet, la représentation du corps et des loisirs, ou encore la place de l'art dans l'espace public. Par des gestes artistiques puissants, les artistes hissent au rang d'œuvres d'art des éléments saisis dans leur réalité la plus banale. Ils font fusionner l'art et la vie et révèlent au spectateur la beauté poétique de notre quotidien". En savoir plus sur l'exposition
Wes Anderson, L'exposition Du 19 mars au 27 juillet 2025 Cinémathèque "À la faveur de collaborations s'étalant sur plusieurs décennies, et grâce à sa fidélité absolue à la pellicule, Wes Anderson a développé un style cinématographique qui lui est incontestablement propre. Cette exposition est la toute première qui permette à la fois d'explorer les spécificités esthétiques de l'ensemble de sa filmographie, et de dévoiler ses inspirations, ses hommages, et le travail artisanal méticuleux qui caractérise sa mise en scène. Du charme mélancolique de La Famille Tenenbaum aux aventures adolescentes de Moonrise Kingdom ou aux techniques novatrices de stop motion, utilisées dans Fantastic Mr. Fox notamment, elle offre l'opportunité de découvrir comment la vision unique d'Anderson et son souci du détail ont permis de créer certains des films visuellement et émotionnellement les plus fascinants de ces derniers temps. À travers une sélection abondante d'accessoires, de costumes originaux, et de documents portant sur les secrets de fabrication, essentiellement issus de sa collection personnelle, cette exposition offre un regard sans précédent sur l'univers de Wes Anderson, et célèbre son influence durable sur le cinéma contemporain". En savoir plus sur l'exposition
Dans le flou. Une autre vision de l'art, de 1945 à nos jours Du 30 avril au 18 août 2025 Musée de l'Orangerie "Les Nymphéas ont longtemps été regardés par les artistes ou étudiés par les historiens comme le parangon d'une peinture abstraite, all over, sensible, annonciatrice des grandes installations immersives à venir. En revanche, le flou qui règne sur les vastes étendues aquatiques des grandes toiles de Monet est resté un impensé. Ce flou n'avait pas échappé à ses contemporains, mais ils y voyaient l'effet d'une vision altérée par une maladie oculaire. Il nous semble aujourd'hui pertinent et plus fécond d'explorer cette dimension de l'œuvre tardif de Monet comme un véritable choix esthétique dont la postérité doit être mise au jour. Cette exposition fait délibérément du flou une clé qui ouvre une autre lecture d'un pan entier de la création plastique moderne et contemporaine. D'abord défini comme perte par rapport au net, le flou se révèle le moyen privilégié d'expression d'un monde où l'instabilité règne et où la visibilité s'est brouillée. C'est sur les ruines de l'après-seconde guerre mondiale que cette esthétique du flou s'enracine et déploie sa dimension proprement politique. Le principe cartésien du discernement, qui prévalait depuis si longtemps en art, apparaît alors profondément inopérant. Devant l'érosion des certitudes du visible, et face au champ de possibles qui leur est ainsi ouvert, les artistes proposent de nouvelles approches et font leur matière du transitoire, du désordre, du mouvement, de l'inachevé, du doute…". En savoir plus sur l'exposition

ARCHIVES Actualités culturelles et programmes d'enseignement - Lycée HDA 2024-2025

Béatrice Jaffre, Mélie Jouassin — 2025-01-06T13:43:00Z

SECONDE

PÉRIODE 1 : DES ORIGINES DES ARTS AU Ve SIÈCLE

LE PÉRIGORD AU PALÉOLITHIQUE SUPÉRIEUR, -35 000 À -10 000

Silex and the city
Du 11 septembre au 29 décembre 2024
Musée de l'Homme
"« Silex and the city » débarque au Foyer Germaine Tillion : à cette occasion, retour vers le passé ! Au Paléolithique, dans une « vallée qui résiste encore et toujours à l'évolution », de drôles de personnages sont curieusement pétris de références contemporaines. Suivons leurs péripéties !
Créée en 2009, cette série de bandes dessinées est désormais incontournable. À travers une galerie de personnages hauts en couleur, le dessinateur Jul pose un regard empli d'humour et de fantaisie sur la Préhistoire. C'est ainsi que son univers résonne avec une thématique de recherche chère au Musée de l'Homme.
Sur une surface de 200 m², l'exposition vous invite à entrer dans la bulle de l'artiste : un monde où l'art du dessin se lie étroitement à la science, et en particulier à la préhistoire. Découvrez, étape par étape, les coulisses de la création de la bande dessinée".

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L'ÉGYPTE DE LA XVIIIE DYNASTIE, DU XVIE AU XIIIE SIÈCLE AV. JC
Byblos, cité éternelle Du 26 Novembre 2024 au 30 mars 2025 Institut du Monde arabe "Avec « Byblos, cité éternelle », découvrez l'histoire du premier port maritime international au monde : Byblos, qui relia dès la plus haute Antiquité la côte libanaise, l'Égypte, la Mésopotamie et le monde égéen, noua des liens uniques avec les pharaons d'Égypte et joua un rôle majeur dans la diffusion de l'alphabet phénicien. Obélisque d'Abishemou, mosaïque de l'enlèvement d'Europe… : près de 300 œuvres d'exception, déployées dans une scénographie spectaculaire, vous immergeront dans une épopée débutée il y a plus de 8900 ans. À découvrir en exclusivité, les dernières découvertes du port antique et le fruit des fouilles les plus récentes, dont une nécropole de l'Âge du bronze parvenue exceptionnellement intacte jusqu'à nous". En savoir plus sur l'exposition

L'ÉGYPTE DE LA XVIIIE DYNASTIE, DU XVIE AU XIIIE SIÈCLE AV. JC

Byblos, cité éternelle
Du 26 Novembre 2024 au 30 mars 2025
Institut du Monde arabe
"Avec « Byblos, cité éternelle », découvrez l'histoire du premier port maritime international au monde : Byblos, qui relia dès la plus haute Antiquité la côte libanaise, l'Égypte, la Mésopotamie et le monde égéen, noua des liens uniques avec les pharaons d'Égypte et joua un rôle majeur dans la diffusion de l'alphabet phénicien.
Obélisque d'Abishemou, mosaïque de l'enlèvement d'Europe… : près de 300 œuvres d'exception, déployées dans une scénographie spectaculaire, vous immergeront dans une épopée débutée il y a plus de 8900 ans. À découvrir en exclusivité, les dernières découvertes du port antique et le fruit des fouilles les plus récentes, dont une nécropole de l'Âge du bronze parvenue exceptionnellement intacte jusqu'à nous".

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PÉRIODE 4 : DU XIXe AU XXe SIÈCLE

PARIS, 1905-1937

Surréalisme
Du 4 septembre 2024 au 13 janvier 2025
Centre Pompidou
"Associant peintures, dessins, films, photographies et documents littéraires, l'exposition présente les œuvres des artistes emblématiques du mouvement (Salvador Dalí, René Magritte, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Joan Miró) mais aussi celles des surréalistes femmes (parmi lesquelles Leonora Carrington, Ithell Colquhoun, Dora Maar).
À la fois chronologique et thématique, le parcours est rythmé par 14 chapitres évoquant les figures littéraires ayant inspiré le mouvement (Lautréamont, Lewis Carroll, Sade...) et les principes poétiques qui structurent son imaginaire (l'artiste-médium, le rêve, la pierre philosophale, la forêt...).
Au cœur de l'exposition, un « tambour » central abritant le manuscrit original du Manifeste, prêt exceptionnel de la Bibliothèque nationale de France. Une projection multimédia accompagne la découverte de ce document unique, éclairant sa genèse et son sens."

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Jacques Prévert, le rêveur d'images
Du 18 octobre 2024 au 16 février 2025
Musée de Montmartre
"L'œuvre de Jacques Prévert (1900-1977) a marqué le 20ème siècle et touché de nombreuses générations. Par son imagination foisonnante et sa créativité débordante, il donne vie à une œuvre unique, pleine de magie et d'humanité.
À l'occasion de la célébration du centenaire du surréalisme et du soixante-dixième anniversaire de l'installation de Prévert en 1955 au 6 bis, Cité Véron – juste au-dessus du Moulin Rouge dans le 18ème arrondissement – le musée de Montmartre met à l'honneur celui qu'on connaît d'abord et surtout comme poète et scénariste, mais dont la création s'étend bien au-delà.
Car Jacques Prévert est un artiste aux multiples facettes. Parolier et auteur de chansons, dramaturge, humaniste engagé, pleinement surréaliste, il a également consacré une part importante de sa vie aux arts visuels : planches de scénarios illustrées, collaborations artistiques avec des peintres, sculpteurs et photographes, collages surréalistes, Éphémérides…"

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La saga des grands magasins
Du 06 novembre 2024 au 06 avril 2025
Cité de l'architecture et du patrimoine
"(L'exposition) replace l'émergence des grands magasins parisiens dans une échelle plus large, s'intéressant à l'histoire de ces institutions sur le temps long et dans un contexte international et territorial. Les évolutions des grands magasins européens, du milieu du XIXe siècle à nos jours, traduisent les grandes métamorphoses de nos sociétés, auxquelles ils offrent un cadre architectural à la fois éblouissant et fonctionnel.
La période de 1850 à 1930 marque l'âge d'or des grands magasins. Ces temples de la consommation émergent sous le Second Empire grâce à l'avènement des transports et de l'industrie. Leurs architectures monumentales et la mise en scène des marchandises révolutionnent les modes de consommation, transformant l'acte d'achat en une expérience sensorielle et divertissante. Ces institutions commerciales, souvent comparées à des ruches, créent de nouveaux modèles d'organisation sociale avec un nombre considérable d'employés sous la supervision d'un fondateur."

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Objets en question - Archéologie, ethnologie, avant-garde
Du 11 février 2025 au 22 juin 2025
Musée du Quai Branly
"L'exposition rend compte des croisements entre surréalisme, ethnologie et archéologie pendant la période de l'entre-deux-guerres en France, autour de la question : que faire des objets ?
Le dialogue fertile qui se met alors en place marque un tournant décisif dans le décloisonnement des disciplines. Il est porté par les revues liées aux avant-gardes, et plus particulièrement Cahiers d'art (1926-1965), Minotaure (1933-1939), et Documents (1929-1930).
Au fil de leurs numéros, ces périodiques défient les cadres académiques. La mise en dialogue de reproductions photographiques d'œuvres antiques, modernes et extra-européennes permet de se soustraire à l'autorité de l'histoire de l'art classique, de provoquer les valeurs établies et de faire naître des nouveaux sens.
Parmi les collaborateurs et intervenants de ces revues, on peut citer Pablo Picasso, Georges Henri et Thérèse Rivière, André Breton, Michel Leiris, Charles Ratton, Joan Miró, Brassaï ou encore Georges Bataille. lis ont tous en commun un intérêt pour l'art d'un passé lointain, l'art non-occidental, mais aussi pour l'art populaire et l'art banal. Leur approche expérimentale donne naissance à une nouvelle perception des objets, des lieux, des époques. Ils remettent ainsi en question le concept même de musée en posant ces simples mais redoutables questions : Qu'est-ce que l'objet, qu'est-ce que l'art ? Qu'est-ce qui fait d'un objet une œuvre d'art ?"

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Matisse et Marguerite - Le regard d'un père
Du 4 avril au 24 août 2025
Musée d'Art moderne de la ville de Paris
"L'exposition présente de nombreux dessins rarement sinon jamais montrés au public, ainsi que d'importants tableaux venus de collections américaines, suisses et japonaises exposés en France pour la première fois. Des photographies, documents d'archives et œuvres peintes par Marguerite elle-même complètent l'évocation de cette personnalité méconnue du grand public.
Depuis les premières images de l'enfance jusqu'à la fin de la Seconde Guerre mondiale, Marguerite demeure le modèle de Matisse le plus constant de son œuvre – le seul à avoir habité son œuvre au cours de plusieurs décennies. Porteurs d'une franchise et d'une intensité remarquables, ses portraits trahissent une émotion rare, à la hauteur de l'affection profonde que Matisse éprouvait pour sa fille. L'artiste semblait voir en elle une sorte de miroir de lui-même, comme si, en la dépeignant, il accédait enfin à l'« identification presque complète du peintre et de son modèle » à laquelle il aspirait."

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Revoir Picasso
Du 12 mars 2024 au 12 mars 2027
Musée Picasso
"Le Musée national Picasso-Paris retrouve sa collection déployée sur trois étages (...) Dix ans après la réouverture du musée, la collection s'installe de manière pérenne dans l'écrin de l'Hôtel Salé.
Fruit d'une histoire hors du commun, la constitution de la collection du Musée national Picasso-Paris a été rendue possible grâce au dispositif de la dation – aujourd'hui c'est la plus importante collection publique d'œuvres de Picasso, les « Picasso de Picasso ». Issue des ateliers de l'artiste, cette collection nous permet de mieux saisir les explorations esthétiques de ce Picasso tour à tour : déconcertant, pluriel, contradictoire, réflexif, gestuel et conceptuel, esthète et engagé, bricoleur et poète. Est-il symboliste, cubiste, classique, surréaliste ou tout simplement figuratif et politique ?
Lieu ouvert et vivant, le musée se saisit des questions de société pour interroger à travers la traversée de son œuvre, celle de sa réception, c'est-à-dire celle du peintre le plus renommé, le plus regardé, mais également le plus discuté."

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PÉRIODE 5 : DEPUIS 1960

SHANGHAI DEPUIS 1989

Chine, une nouvelle génération d'artistes
Du 9 octobre 2024 au 3 février 2025
Centre Pompidou
"Placée sous l'égide du caractère chinois 目 (mù), signifiant l'œil, cette exposition collective et pluridisciplinaire est dédiée à la jeune scène contemporaine chinoise.
21 artistes nés entre la fin des années 1970 et le début des années 1990, dont les œuvres récentes témoignent des mutations qui ont profondément modifié le rapport de la Chine à elle-même et au monde, et ce au travers d'un large spectre de pratiques — vidéo, peinture, sculpture, installation, photographie ou nouveaux médias".

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PREMIÈRE ENSEIGNEMENT OPTIONNEL : L'ART DU PORTRAIT EN FRANCE, XIXe-XXIe SIÈCLES
Portrait Du 03 au 13 avril 2025 La Scala "Sous la houlette du jeune prodige de la danse française, Mehdi Kerkouche, neuf danseurs aux corps électrisés donnent vie à un portrait de famille vivifiant Le chorégraphe choisit le sujet de l'héritage familial comme matière chorégraphique. C'est par les corps électrisés d'une tribu de danseurs venus d'horizons variés qu'il nous en livre sa version. Famille heureuse, embarrassante, toxique, absente… Comment s'en extraire ou au contraire s'y réfugier ? Comment affirmer son individualité au sein d'une famille que l'on n'a pas choisie ? Les liens évoluent, les personnalités détonnent au fil des séquences, de manière isolée, en duo ou dans des partitions d'ensemble et au rythme de la musique organique de Lucie Antunes. Ce portrait donne à voir une photo de famille contemporaine au travers d'une mosaïque de tempéraments et d'énergies". En savoir plus sur le spectacle

PREMIÈRE ENSEIGNEMENT OPTIONNEL : L'ART DU PORTRAIT EN FRANCE, XIXe-XXIe SIÈCLES

Portrait
Du 03 au 13 avril 2025
La Scala
"Sous la houlette du jeune prodige de la danse française, Mehdi Kerkouche, neuf danseurs aux corps électrisés donnent vie à un portrait de famille vivifiant
Le chorégraphe choisit le sujet de l'héritage familial comme matière chorégraphique.
C'est par les corps électrisés d'une tribu de danseurs venus d'horizons variés qu'il nous en livre sa version. Famille heureuse, embarrassante, toxique, absente… Comment s'en extraire ou au contraire s'y réfugier ? Comment affirmer son individualité au sein d'une famille que l'on n'a pas choisie ? Les liens évoluent, les personnalités détonnent au fil des séquences, de manière isolée, en duo ou dans des partitions d'ensemble et au rythme de la musique organique de Lucie Antunes. Ce portrait donne à voir une photo de famille contemporaine au travers d'une mosaïque de tempéraments et d'énergies".

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TERMINALE ENSEIGNEMENT OPTIONNEL : MUSÉE, MUSÉES
Le monde comme il va Du 20 mars au 27 septembre 2024 Bourse du commerce "Au printemps 2024, un ensemble d'œuvres iconiques de la Collection Pinault se déploie à tous les niveaux de la Bourse de Commerce, telle une spirale au sein de laquelle les images s'engendrent, se répondent, se télescopent et mettent en lumière la passion, et l'engagement, de François Pinault pour l'art contemporain. Réunissant des œuvres réalisées principalement entre les années 1980 et aujourd'hui, l'exposition révèle la conscience aiguë du présent chez les artistes. « Le monde comme il va » nous renvoie aux turbulences et soubresauts de l'actualité. Partout, les repères stables et les références chancellent et se dérobent. Le titre est emprunté à un conte philosophique de Voltaire dans lequel un envoyé céleste part observer le comportement d'hommes dont les puissances divines ne savent plus s'ils méritent d'exister ou s'il faut les anéantir pour recommencer une meilleure civilisation. Confronté aux paradoxes humains et à l'hésitation, le narrateur décide finalement de laisser aller « le monde comme il va », confiant aux hommes la reprise en main de leur destinée. Les œuvres de la Collection Pinault choisies pour cet accrochage deviennent les témoins de ce moment d'incertitude, mais elles sont aussi autant de forces qui entraînent le visiteur dans l'élan de cette sphère qui continue à tourner, bon gré mal gré, et dans les mouvements de laquelle nous écrivons collectivement l'histoire." En savoir plus sur l'exposition

TERMINALE ENSEIGNEMENT OPTIONNEL : MUSÉE, MUSÉES

Le monde comme il va
Du 20 mars au 27 septembre 2024
Bourse du commerce
"Au printemps 2024, un ensemble d'œuvres iconiques de la Collection Pinault se déploie à tous les niveaux de la Bourse de Commerce, telle une spirale au sein de laquelle les images s'engendrent, se répondent, se télescopent et mettent en lumière la passion, et l'engagement, de François Pinault pour l'art contemporain.
Réunissant des œuvres réalisées principalement entre les années 1980 et aujourd'hui, l'exposition révèle la conscience aiguë du présent chez les artistes. « Le monde comme il va » nous renvoie aux turbulences et soubresauts de l'actualité. Partout, les repères stables et les références chancellent et se dérobent. Le titre est emprunté à un conte philosophique de Voltaire dans lequel un envoyé céleste part observer le comportement d'hommes dont les puissances divines ne savent plus s'ils méritent d'exister ou s'il faut les anéantir pour recommencer une meilleure civilisation. Confronté aux paradoxes humains et à l'hésitation, le narrateur décide finalement de laisser aller « le monde comme il va », confiant aux hommes la reprise en main de leur destinée. Les œuvres de la Collection Pinault choisies pour cet accrochage deviennent les témoins de ce moment d'incertitude, mais elles sont aussi autant de forces qui entraînent le visiteur dans l'élan de cette sphère qui continue à tourner, bon gré mal gré, et dans les mouvements de laquelle nous écrivons collectivement l'histoire."

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PREMIÈRE SPÉCIALITÉ
THÈME I : LES MATIÈRES, LES TECHNIQUES ET LES FORMES
LA CHAIR DU MONDE. Tamara Kostianovsk Jusqu'au 03 novembre 2024 Musée de la chasse et de la nature "L'upcycling comme expression du monde. Avec subtilité et force, Tamara Kostianovsky explore des thèmes complexes tels que la mémoire, la violence, la colonisation, l'évanescence de la vie, les connexions entre le corps humain et la nature. Son travail de sculptrice s'exprime dans des installations qui utilisent des matériaux inhabituels, notamment des vêtements usagés et des textiles mis au rebut, pour explorer des idées liées à la fragilité de l'existence et à la relation entre la chair et notre environnement. Elle conçoit de véritables trompes l'œil d'une beauté saisissante, mais trompeuse, où l'œuvre oscille entre fascination et répulsion. En explorant des thèmes profonds et universels à travers une utilisation innovante de matériaux ordinaires, Tamara Kostianovsky a gagné une place singulière dans le monde de l'art contemporain, captivant les spectateurs avec ses œuvres chargées de sens et d'émotion." En savoir plus sur l'exposition
Mode, nouvelles générations : 35 ans de l'ANDAM Du 1er octobre 2024 au 30 mars 2025 MAD "Le musée des Arts décoratifs célèbre du 1er octobre 2024 au 30 mars 2025, le 35e anniversaire de l'ANDAM (Association nationale pour le développement des arts de la mode) à travers une sélection de 17 silhouettes de mode, témoignant du regard visionnaire qu'il porte sur la jeune création. Le musée des Arts décoratifs abrite en effet la collection nationale de mode et textile, l'une des plus importantes au monde, couvrant une période allant du xviiie siècle à nos jours. Depuis 1989, l'ANDAM récompense chaque année les créateurs émergents de la scène française et internationale et leur donne, à travers son concours et son programme d'accompagnement global, les moyens de s'implanter durablement dans le paysage de la mode. La collaboration entre le musée des Arts décoratifs et l'ANDAM vise à valoriser ces nouveaux acteurs de la mode. Les lauréats sont invités à offrir des pièces emblématiques de leur collection primée chaque année, qui viendront ainsi enrichir les archives de la mode contemporaine du musée. À travers des thèmes tels que l'art du tailleur, la déformation du corps ou la transparence, les silhouettes et accessoires des lauréats de 2023 et 2024 dialoguent avec ceux de leurs prédécesseurs, issus des collections du musée. Cette présentation met en lumière l'ouverture de l'ANDAM à une mode plurielle, caractérisée par des propositions esthétiques, des recherches techniques et des savoir-faire exprimant l'univers personnel de chaque créateur." En savoir plus sur l'exposition
Le goût de la photographie : dans la collection Jérôme Prochiantz Du 22 octobre 2024 au 12 janvier 2025 BNF "Constituée d'épreuves de plus de 150 photographes, la collection de Jérôme Prochiantz frappe de prime abord par sa variété. Il est de ces collectionneurs qui s'attachent, telle Dina Vierny en son temps, à suivre « la ligne de conduite de [leur] sensation », réunissant des œuvres qui répondent avant tout à leur sensibilité, sans projet préconçu ni prétention à l'exhaustivité. Prenant racine dans la photographie historique, sa collection s'ouvre largement aux expressions photographiques contemporaines. Elle mêle les genres, du paysage (Karl Struss, Thomas Struth) au portrait (J.H. Engström, Andres Serrano) ou à la nature morte (Flor Garduno, Joan Fontcuberta) ; elle juxtapose les registres, du noir et blanc charbonneux de Jean-Michel Fauquet aux couleurs veloutées de Sarah Moon ; elle réunit des provenances diverses (Europe, Amériques, Extrême-Orient), de même que des techniques variées, entre la photographie au collodion revisitée par Tom Baril et le polaroïd employé par Daido Moriyama. Différents univers et styles s'y côtoient : obscurité des portraits énigmatiques de David Nebreda, tachisme des nuits urbaines de Dolorès Marat ou minimalisme surréaliste des compositions de Rudolf Lichtsteiner." En savoir plus sur l'exposition
Bande dessinée, 1964-2024 Jusqu'au 4 novembre 2024 Centre Pompidou "Le Centre Pompidou célèbre le 9e art dans tous ses espaces, et à tous les niveaux. Une grande exposition au niveau 6, « Bande dessinée (1964 - 2024) », offre une véritable traversée de l'histoire moderne et contemporaine du médium. Immersion dans des univers multiples, allant de la ligne claire franco-belge au manga japonais, des foisonnements graphiques de l'underground aux styles contemporains les plus abstraits. L'accrochage privilégie la diversité, présentant de grands ensembles de planches, des dessins de couvertures, des carnets, ainsi que des éléments de documentation." En savoir plus sur l'exposition
Yasuhiro Ishimoto - Des lignes et des corps Du 19 juin au 17 novembre 2024 Le BAL "Du 19 juin au 17 novembre 2024, LE BAL présente une figure remarquable de l'histoire de la photographie japonaise, pourtant méconnue en France : Yasuhiro Ishimoto (1921-2012). Pour la première fois en Europe, l'exposition, organisée en étroite collaboration avec le Ishimoto Yasuhiro Photo Center au Museum of Art, Kochi, au Japon, rassemble 169 tirages rares, pour la plupart d'époque et réalisés par Ishimoto lui-même. Le parcours de l'exposition se concentre sur les premières décennies de son œuvre, entre Chicago et le Japon. Figure clé des années 1950 et 1960, il sera considéré comme « visuellement bilingue » par sa capacité à allier l'approche formelle du New Bauhaus à la quintessence de l'esthétique japonaise". En savoir plus sur l'exposition
Séquence Danse paris 2025 Du 19 mars au 12 avril 2025 104 "Focus sur la danse contemporaine.Douze spectacles rendent compte de toute la vitalité et de l'intensité de la danse contemporaine. Rencontres intergénérationnelles, fidélités artistiques, plateaux exceptionnels et spectacles hors les murs font résonner la danse contemporaine avec d'autres sphères". En savoir plus sur les spectacles
La couleur parle toutes les langues. Œuvres choisies de la Collection Al Thani Du 03 octobre 2024 au 05 octobre 2025 Hôtel de la Marine À partir de l'automne 2024, la Collection Al Thani à l'Hôtel de la Marine expose une nouvelle sélection de chefs-d'œuvre sur le thème de la couleur à travers les civilisations du monde. L'exposition rassemble une sélection de 80 œuvres présentées pour la plupart pour la première fois à l'Hôtel de la Marine. Elle comprend des artefacts issus des cinq continents (Afrique, Amérique, Asie, Europe, Océanie) couvrant une période chronologique allant du Néolithique à nos jours. Le parcours est organisé selon six sections correspondant à six couleurs fondamentales dans les arts du monde : noir, blanc, rouge, jaune, bleu et vert. Au sein des vitrines, les œuvres seront regroupées selon un critère essentiellement monochromatique (...) Chaque section associe des œuvres issues de cultures et d'époque différentes dans une large variété de matériaux et de techniques (sculptures en bois, en pierre ou métal, céramique, textiles, gravure, miniatures peintes, objets d'art...). Parmi elles, figurent une sculpture de gardien de reliquaire en bois Fang-Betsi (noir), une sculpture romaine en marbre (blanc), une base de narguilé moghole (rouge), un élément d'incrustation en forme de tête égyptien (bleu), une hache d'apparat olmèque en jade (vert) et une miniature moghole (jaune). À travers ce classement, les visiteurs sont invités à observer les catégories des matériaux constitutifs des œuvres en relation avec leur technique de production, à expérimenter l'effet produit par la variété des teintes, de l'éclat et des contrastes colorés des œuvres, et à s'interroger sur leur symbolique à travers les cultures du monde". En savoir plus sur l'exposition
Stones speakers, les bruits de la terre. Julian Charrière Du 17 octobre 2024 au 05 janvier 2025 Palais de Tokyo "« Stone Speakers – Les bruits de la terre » est un projet in situ et immersif. Il invite le public à pénétrer dans un paysage volcanique composé de sculptures minérales, au milieu desquelles il entend les conversations primordiales de la terre grâce à une installation ambisonique (technique de capture, synthèse et reproduction d'environnement sonore). À partir d'enregistrements de volcans (réalisés en Indonésie, Islande et Sicile), Julian Charrière nous met en relation avec les entrailles de la planète, vues non comme un royaume inerte mais au contraire comme un lieu vivant et vibrant. Chambres magmatiques, marées, plaques tectoniques en mouvement s'y mêlent. L'artiste convoque ainsi différentes entités géologiques pour réunir un « parlement de volcans ». L'espace d'exposition, transformé en un cratère symbolique, amplifie leurs dialogues grondants et pénétrants". En savoir plus sur l'exposition
Science/Fiction. Une non histoire des plantes Du 16 octobre 2024 au 19 janvier 2025 Maison Européenne de la Photographie "Initiée en 2020, l'exposition Science/Fiction — Une non-histoire des Plantes propose de retracer une histoire visuelle des plantes reliant l'art, la technologie et la science du XIXe siècle à nos jours. Réunissant plus de 40 artistes de différentes époques et nationalités, cette exposition met en regard des œuvres photographiques historiques telles que les cyanotypes d'Anna Atkins, l'inventaire des formes végétales de Karl Blossfeldt ou encore les expérimentations au microscope de Laure Albin Guillot avec des créations d'artistes contemporain·es comme Jochen Lempert, Pierre Joseph, Angelica Mesiti, Agnieszka Polska ou encore Sam Falls". En savoir plus sur l'exposition
Arte Povera Du 9 octobre 2024 au 20 janvier 2025 Bourse de Commerce / Pinault collection "L'exposition, dont le commissariat est assuré par Carolyn Christov-Bakargiev, spécialiste internationalement reconnue de l'Arte Povera, entend retracer aussi bien la naissance italienne que le rayonnement international du mouvement, au travers d'un large ensemble d'œuvres majeures des treize principaux protagonistes de l'Arte Povera. L'exposition présentera l'important fonds d'Arte Povera de la Collection Pinault, en résonnance avec des œuvres du musée Castello di Rivoli et de la Fondazione per l'Arte Moderna e Contemporanea CRT. L'exposition accueillera également les prêts de plusieurs autres grandes collections publiques et privées, tant françaises qu'italiennes, dont celles des artistes de l'Arte Povera eux-mêmes. Au milieu des années 1960, certains artistes italiens commencent à exposer ensemble et à être associés à l'« Arte Povera », terme inventé en 1967 par le critique d'art et commissaire d'exposition Germano Celant, qui l'a adapté au concept de « théâtre pauvre » du metteur en scène de théâtre expérimental polonais Jerzy Grotowski". En savoir plus sur l'exposition
Le trompe-l'œil de 1520 à nos jours Du 17 octobre 2024 au 02 mars 2025 Musée Marmottan Monet "Le terme trompe-l'œil aurait été employé pour la première fois par Louis Léopold Boilly (1761-1845) en légende d'une œuvre exposée au Salon de 1800. Le terme fut adopté trente-cinq ans plus tard par l'Académie française. Bien que le terme apparaisse au XIXe siècle, l'origine du trompe-l'œil serait liée à un récit bien plus ancien, celui de Pline l'Ancien (c.23-79 apr. J.C), qui rapporte dans son Histoire naturelle comment le peintre Zeuxis (464-398 av. J.C.), dans une compétition qui l'opposait au peintre Parrhasios, avait représenté des raisins si parfaits que des oiseaux vinrent voleter autour. Au cours des siècles, le trompe-l'œil se décline à travers des médiums divers et se révèle pluriel. Il joue avec le regard du spectateur et constitue un clin d'œil aux pièges que nous tendent nos propres perceptions. Si certains thèmes du trompe-l'œil sont connus – tels que les vanités, les trophées de chasse, les porte-lettres ou les grisailles – d'autres aspects seront abordés dans cette exposition, comme les déclinaisons décoratives (mobilier, faïences, …) ou encore la portée politique de ce genre pictural à l'époque révolutionnaire jusqu'aux versions modernes et contemporaines". En savoir plus sur l'exposition
Les Fleurs d'Yves Saint Laurent Du 29 septembre 2024 au 05 mai 2025 Musée Yves Saint Laurent Paris "« Le Blé porte bonheur Les Lys, ma fleur favorite Une Venus de Bronze, symbole de mon métier et passion des bronzes A la recherche du temps perdu de Proust Depuis l'âge de 15 ans je ne cesse de relire cet œuvre inégalable. » Avec son partenaire Pierre Bergé, Yves Saint Laurent vivait quotidiennement entouré de fleurs et de jardins – dans ses appartements, ses résidences secondaires ou sa maison de couture. Amoureux de la flore, il y trouvait une source d'inspiration infinie. Cette admiration pour la nature, Yves Saint Laurent la partage avec de nombreux artistes et écrivains tout particulièrement avec Marcel Proust, un de ses auteurs favoris comme il le déclare dans L'Égoïste en 1987. L'univers de l'écrivain transparaît dans les intérieurs du couturier autant que dans ses défilés. Quand le premier se plait à décrire les femmes comme des fleurs, le second les en recouvre pour leur rendre hommage. Présentées dans l'exposition, une trentaine de silhouettes textiles et des dessins mettent en lumière cette symbiose entre l'œuvre d'Yves Saint Laurent, la nature et la littérature." En savoir plus sur l'exposition
Dans(e) la lumière Du 18 octobre 2024 au 31 janvier 2025 Fondation groupe EDF "Pour la première fois, du 18 octobre 2024 au 31 janvier 2025, la Fondation groupe EDF dévoile à Paris une sélection d'œuvres lumières de sa collection, reflet de son engagement à faire de la lumière un véritable matériau de création. Raoul Dufy, Man Ray, Julio Le Parc, François Morellet… Des pièces inédites, rarement exposées, entreront en dialogue avec des chorégraphes et danseurs : Angelin Preljocaj (Ballet Junior), Leïla Ka, Carolyn Carlson, Mazelfreten, Jann Gallois et Mourad Merzouki…Créations, improvisations, extraits de spectacles… Venez assister à une programmation variée, imaginée par Agnès Chemama, précédemment directrice du développement et des publics au Théâtre National de Chaillot". En savoir plus sur l'exposition
Merveilles Du 11 octobre 2024 au 10 mars 2025 Musée national de la céramique "Le musée national de Céramique souffle joyeusement ses 200 bougies avec une exposition intitulée Merveilles ! qui ouvre ses portes le 11 octobre 2024 jusqu'au 10 mars 2025. Extravagants, virtuoses ou insolites, plus de cinq cents objets sortis des réserves racontent en dix tableaux surprenants, l'histoire de ce musée atypique. L'exposition métamorphose le musée en cabinet de curiosité idéal, et invite à voyage en céramique exotique, onirique et poétique". En savoir plus sur l'exposition
Chiharu Shiota - The Soul Trembles Du 11 décembre 2024 Au 19 mars 2025 Grand palais "Co-organisée avec le Mori Art Museum de Tokyo, cette exposition est la plus importante jamais consacrée à l'artiste, en France. Déployée sur plus de 1 200 mètres carrés, elle offre une réelle expérience sensible. Avec sept installations à grande échelle, des sculptures, des photographies, des dessins, des vidéos de performance et des documents d'archives liés à son projet de mise en scène, l'exposition représente l'occasion de se familiariser avec la carrière de Shiota, qui s'étend sur plus de vingt ans". En savoir plus sur l'exposition
Hans Hollein - transFORMS Du 05 mars au 02 juin 2025 Centre Pompidou "Monographique, cette exposition est consacrée à l'architecte autrichien Hans Hollein (1934-2014), affilié le plus communément au courant postmoderniste depuis sa participation à la 1ère Biennale d'architecture de Venise en 1980, et sa proposition de façade à colonnade pour le projet de la Strada Novissima. La réunion des pièces les plus emblématiques de son œuvre, qui couvre plus de cinquante années, permet de réévaluer la cohérence de sa démarche artistique et critique à l'aune de ses engagements dans les divers courants ayant façonné les post-avant-gardes des années 1960 aux années 1980 – de l'art informel à l'art conceptuel, en passant par l'architecture radicale." En savoir plus sur l'exposition
Au fil de l'or - L'art de se vêtir de l'Orient au Soleil-Levant Du 11 février 2025 au 06 juillet 2025 Musée du quai Branly "Du Maghreb au Japon, une fabuleuse traversée dans le temps et l'espace, à la découverte de l'origine mystérieuse et fascinante de l'or et de son mariage avec les arts textiles. Métal le plus précieux et le plus noble au monde, objet de convoitise, symbole de richesse et de faste, signe d'élégance et de raffinement ... Découvert il y a près de 7000 ans, l'or n'a eu de cesse de fasciner les hommes. Matériau par excellence de tous les savoir-faire, expérimentations et traditions, il est utilisé dès l'Antiquité pour la réalisation de bijoux, de parures et d'armes. Dès le cinquième millénaire avant notre ère, il agrémente les premières étoffes de luxe dédiées aux hommes de pouvoir. Au cours des siècles suivants, des tisserands et artisans chevronnés-romains, byzantins, chinois, perses puis musulmans-déploient les techniques les plus ingénieuses pour réaliser de véritables tissus d'art où les fibres de soie ou de lin s'entrelacent aux lames et filés d'or. Des premiers ornements cousus sur les vêtements des défunts aux robes flamboyantes de l'artiste contemporaine chinoise Guo Pei qui ponctuent l'ensemble du parcours, des soieries tissées d'or des mondes indien et indonésien aux kimonos scintillants de l'ère Edo, l'exposition déroule l'histoire millénaire de l'or dans les arts textiles. Dans un dialogue mariant découverte scientifique et perspective artistique, elle dévoile l'éblouissante beauté, la diversité, la technicité et la richesse des costumes d'une vaste région allant du Maghreb au Japon en passant par les pays du Moyen-Orient, l'Inde et la Chine." En savoir plus sur l'exposition
Dessins de bijoux Du 01 avril 2025 au 20 juillet 2025 Petit Palais " Le Petit Palais est riche d'une collection de près de 5 700 dessins et maquettes de bijoux encore méconnue. Au printemps 2025, une exposition consacrée à ce fonds permettra au grand public de découvrir ces trésors, sortis de l'obscurité protectrice des réserves. Cette présentation aura pour fil rouge le processus créatif des dessinateurs de haute-joaillerie et la vie de leurs fragiles bijoux de papier, tantôt documents de travail, archives précieuses ou encore œuvres d'art à part entière. Cheminant des sources d'inspiration des créateurs (objets de musées, recueils d'ornements, morceau de nature…) pour aboutir à l'étincelante parure réalisée, elle mettra en valeur les différentes étapes que sont les études d'après modèles, les esquisses préparatoires, les gouachés aux couleurs si séduisantes, et même les maquettes en trois dimensions. En déroulant ce temps de la création, le parcours croisera les époques et les styles, mêlant les dessins de bijoux du Second Empire à ceux de l'Art déco, les styles historicisants de la deuxième moitié du XIXe siècle à l'Art Nouveau. De Lalique à Cartier, de Rouvenat à Boucheron, l'exposition offrira un décryptage des procédés propres aux dessinateurs de bijoux à la manière d'un voyage dans l'atelier des créateurs." En savoir plus sur l'exposition
Dans le flou. Une autre vision de l'art, de 1945 à nos jours Du 30 avril au 18 août 2025 Musée de l'Orangerie "Les Nymphéas ont longtemps été regardés par les artistes ou étudiés par les historiens comme le parangon d'une peinture abstraite, all over, sensible, annonciatrice des grandes installations immersives à venir. En revanche, le flou qui règne sur les vastes étendues aquatiques des grandes toiles de Monet est resté un impensé. Ce flou n'avait pas échappé à ses contemporains, mais ils y voyaient l'effet d'une vision altérée par une maladie oculaire. Il nous semble aujourd'hui pertinent et plus fécond d'explorer cette dimension de l'œuvre tardif de Monet comme un véritable choix esthétique dont la postérité doit être mise au jour. Cette exposition fait délibérément du flou une clé qui ouvre une autre lecture d'un pan entier de la création plastique moderne et contemporaine. D'abord défini comme perte par rapport au net, le flou se révèle le moyen privilégié d'expression d'un monde où l'instabilité règne et où la visibilité s'est brouillée. C'est sur les ruines de l'après-seconde guerre mondiale que cette esthétique du flou s'enracine et déploie sa dimension proprement politique. Le principe cartésien du discernement, qui prévalait depuis si longtemps en art, apparaît alors profondément inopérant. Devant l'érosion des certitudes du visible, et face au champ de possibles qui leur est ainsi ouvert, les artistes proposent de nouvelles approches et font leur matière du transitoire, du désordre, du mouvement, de l'inachevé, du doute…". En savoir plus sur l'exposition
Corps et âmes Du 05 mars 2025 au 25 août 2025 Bourse de Commerce / Pinault collection "À l'appui d'une centaine d'œuvres de la Collection Pinault, la Bourse de Commerce présente la saison « Corps et âmes », offrant une exploration de la représentation du corps dans l'art contemporain. D'Auguste Rodin à Duane Hanson, de Georg Baselitz à Ana Mendieta, de David Hammons à Marlene Dumas, d'Arthur Jafa à Ali Cherri, une quarantaine d'artistes explore, à travers la peinture, la sculpture, la photographie, la vidéo et le dessin, les liens entre le corps et l'esprit". En savoir plus sur l'exposition

THÈME II : L'ARTISTE

Jérôme Zonder. C'est un petit chemin
Jusqu'au 27 octobre 2024
Musée d'art et d'histoire du Judaïsme
"L'œuvre graphique de Jérôme Zonder est virtuose et multiple, au diapason de son regard nourri tant par le flux infini de la culture populaire. Pour le mahJ, Jérôme Zonder a imaginé une installation qui se déploie au sol et sur les murs de la galerie contemporaine. Il propose au visiteur de déambuler à l'intérieur même de l'œuvre, vaste plateau de jeu à parcourir case après case, avant d'être enfermé dans un cycle sans fin au milieu des images".

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Truffaut : correspondances
Du mercredi 18 septembre 2024 au dimanche 10 novembre 2024
Théâtre le Lucernaire
"Des lettres sublimes qui racontent la vie d'un cinéaste passionné et d'un homme d'une intégrité absolue.
Truffaut-Correspondance est un spectacle impressionniste, un portrait en creux du cinéaste où s'exprime par petites touches et à travers un choix de lettres éminemment subjectif ce qui, chez lui, nous bouleverse et nous remue. On y parle enfance (beaucoup), cinéma (un peu), politique (parfois) et surtout de ce qui nous construit et fait de nous des humains pétris de contradiction. Il faut dire et entendre Truffaut pour se rendre compte à quel point, l'homme est auteur autant que cinéaste.
Truffaut-Correspondance, c'est "notre" Truffaut, celui qui nous parle, celui qui, raconte une époque, un homme et au final un peu du monde qui nous entoure".

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L'art de James Cameron
Du 04 avril 2024 au 05 janvier 2025
Cinémathèque
"Réputés pour leurs effets visuels à la pointe de la technologie, ces films ont repoussé les limites de ce que les spectateurs croyaient possible ; pourtant, les idées de Cameron sont nées dans les pages de ses carnets à dessin d'enfant. L'Art de James Cameron montre comment les thèmes et les motifs clés de son œuvre ont évolué à partir de ces premières esquisses, jusqu'à trouver une expression ultime dans des plans de cinéma iconiques. Cette évolution a été ardue et difficile. Tout au long de sa carrière, l'immense imagination de Cameron s'est souvent heurtée aux contraintes de la technologie existante, à tel point que le réalisateur a dû piloter un certain nombre d'innovations pour pouvoir donner vie à ses visions. Son infatigable créativité nous a donc offert des films marquants, comme Aliens (1986), Titanic (1997) et Avatar (2009), tout en révolutionnant le cinéma grâce à ses efforts répétés pour repousser toujours plus loin la limite des effets spéciaux".

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Caillebotte. Peindre les hommes
Du 08 octobre 2024 au 19 janvier 2025
Musée d'Orsay
"L'exposition présentée au musée d'Orsay à l'automne 2024 prend pour sujet la prédilection de Gustave Caillebotte (1848-1894) pour les figures masculines et les portraits d'hommes, et ambitionne d'interroger la modernité si radicale des chefs-d'œuvre de l'artiste au prisme du nouveau regard que l'histoire de l'art porte sur les masculinités du XIXe siècle.
Dans sa volonté de produire un art vrai et neuf, Caillebotte prend pour sujet son environnement immédiat (le Paris d'Haussmann, les villégiatures des environs de la capitale), les hommes de son entourage (ses frères, les ouvriers travaillant pour sa famille, ses amis régatiers, etc.) et en fin de compte sa propre existence. Répondant au programme « réaliste », il fait entrer dans la peinture des figures nouvelles comme l'ouvrier urbain, l'homme au balcon, le sportif ou encore l'homme nu dans l'intimité de sa toilette. À l'époque du triomphe de la virilité et de la fraternité républicaine, mais aussi de première crise de la masculinité traditionnelle, la nouveauté et la puissance de ces images questionnent aussi bien l'ordre social que sexuel. Au-delà de sa propre identité, celle de jeune et riche célibataire parisien, Caillebotte porte au cœur de l'impressionnisme et de la modernité une profonde interrogation sur la condition masculine".

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Stephen Jones, chapeaux d'artiste
Du 19 octobre 2024 au 16 mars 2025
Palais Galliera - Musée de la mode de la ville de Paris
"L'exposition Stephen Jones, chapeaux d'artiste au Palais Galliera présente l'œuvre de ce créateur britannique, sans conteste l'un des plus grands modistes contemporains, de ses premières collections dans les années 1980 jusqu'aux plus récentes.
Pour la première fois depuis plus de quarante ans au Palais Galliera, une exposition est entièrement dédiée à un accessoire, le chapeau, élevé au rang d'œuvre d'art. Le parcours met l'accent sur le processus créatif de Stephen Jones, les sources d'inspiration à l'origine de ses pièces et la place de Paris dans son travail.
Né en 1957 près de Liverpool, Stephen Jones se forme à la Saint Martin's School of Art. Il ouvre sa première boutique à Londres en 1980, et propose très rapidement deux collections de chapeaux par an. Membre du mouvement londonien des "Nouveaux romantiques", c'est grâce à ses rencontres dans l'univers de la musique, notamment Boy George, que Stephen Jones fait ses premiers pas dans le monde de la mode. Il collabore avec la haute couture et tisse progressivement des liens étroits avec des maisons et stylistes de premier plan : Christian Dior, Jean Paul Gaultier, Claude Montana, Thierry Mugler, Vivienne Westwood, John Galliano, Comme des Garçons, Walter Van Beirendonck, Louis Vuitton…".

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Angelin Preljocaj
Du Mercredi 12 au mercredi 19 mars 2025
Opéra Royal
"Entre tristesse, rage et moment de joie, le chorégraphe français Angelin Preljocaj fait escale à l'Opéra Royal pour présenter sa nouvelle création, plus intime que jamais. Après l'émotion de Blanche Neige et la transcendance du triptyque (Annonciation, Torpeur, Noces) la saison passée, le Ballet Preljocaj reconquiert la scène versaillaise pour un spectacle construit à partir d'une « texture musicale hétéroclite », entre classique, métal, rock et création sonore".

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Zadkine/Modigliani, une amitié ininterrompue
Du 14 novembre 2024 au 30 mars 2025
Musée Zadkine
"Cette exposition est la première à s'intéresser à une amitié artistique jamais explorée jusqu'alors, celle qui unit le sculpteur Ossip Zadkine au peintre Amedeo Modigliani.
À travers près de 90 œuvres, peintures, dessins, sculptures mais également documents et photographies d'époque, elle propose de suivre les parcours croisés de Modigliani et Zadkine, dans le contexte mouvementé et fécond du Montparnasse des années 1910 à 1920. Bénéﬁciant de prêts exceptionnels de grandes institutions - le Centre Pompidou, le musée de l'Orangerie, les musées de Milan, Rouen et Dijon - ainsi que de prêteurs privés, le parcours fait se confronter, comme au temps de leurs débuts artistiques, deux artistes majeurs des avant-gardes, et permet de renouer les ﬁls d'une amitié interrompue.
Ossip Zadkine rencontre Amedeo Modigliani en 1913 : les deux artistes, fraîchement débarqués à Paris, rêvent chacun de devenir sculpteurs et partagent alors le « temps des vaches maigres » comme l'écrira Zadkine dans ses souvenirs. Cette amitié, aussi brève que féconde sur le plan artistique, est interrompue par la Première Guerre mondiale. Modigliani abandonne la sculpture pour la peinture, sur le conseil de marchands. Zadkine s'engage comme brancardier en 1915, avant d'être gazé et d'entamer une longue convalescence. Les deux artistes se retrouvent brièvement au sortir de la guerre, avant que leurs voies ne divergent à nouveau. Modigliani connaît un succès croissant avec ses peintures, mais il meurt prématurément à 35 ans, en 1920, tandis que Zadkine entame une longue et fructueuse carrière de sculpteur. Zadkine n'oubliera pas Modigliani et conservera précieusement le portrait fait par son ancien camarade, dont la gloire posthume ne fait que croître, à tel point que « Modi » devient l'une des ﬁgures mythiques de l'art moderne".

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Tous Léger ! Avec Niki de Saint Phalle, Yves Klein, Martial Raysse, Keith Haring
Du 19 mars au 04 mai 2025
Musée du Luxembourg
"Grâce à un partenariat inédit entre deux collections majeures du territoire de la Côte d'Azur, les œuvres de Niki de Saint Phalle, Arman, Yves Klein, Raymond Hains, Martial Raysse ou encore César viennent à la rencontre des innovations plastiques de Fernand Léger, l'un des pionniers de l'avant-garde au XXe siècle.
Aux côtés de ces principaux représentants du Nouveau Réalisme, des œuvres d'artistes tels Roy Lichtenstein ou plus tard Keith Haring, illustrent les échanges artistiques qui ont très tôt existé entre la création européenne et la scène américaine.
Le parcours de l'exposition, composé de près de 100 œuvres, aborde, sur un mode ludique et créatif, différents axes thématiques : le détournement de l'objet, la représentation du corps et des loisirs, ou encore la place de l'art dans l'espace public.
Par des gestes artistiques puissants, les artistes hissent au rang d'œuvres d'art des éléments saisis dans leur réalité la plus banale. Ils font fusionner l'art et la vie et révèlent au spectateur la beauté poétique de notre quotidien".

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Edi Dubien - S'éclairer sans fin
Du 10 décembre au 04 mai 2025
Musée de la Chasse
"À partir du 10 décembre, le Musée de la Chasse et de la Nature consacre une grande exposition monographique à Edi Dubien.
Edi Dubien, artiste autodidacte français né en 1963, est connu pour ses œuvres d'une profonde poésie et d'une émouvante humanité, qui explorent des thèmes liés à l'identité, à l'enfance et à la relation entre l'humain et la nature. Dans ses œuvres, enfants au regard mélancolique, animaux souvent fardés et végétaux développent des relations d'échange, de coopération, de métamorphose et, certainement, de consolation.
Tout en douceur - ce dont nous avons assurément le plus besoin face à un monde de plus en plus normalisant et clivant, Edi Dubien célèbre l'altérité et la liberté d'être soi-même. Un hymne à l'amour et à la vie".

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Jérôme Zonder. C'est un petit chemin
Du 19 mars au 20 juillet 2025
Musée d'art et d'histoire du Judaïsme
"L'œuvre graphique de Jérôme Zonder est virtuose et multiple, au diapason de son regard nourri tant par le flux infini de la culture populaire. Pour le mahJ, Jérôme Zonder a imaginé une installation qui se déploie au sol et sur les murs de la galerie contemporaine. Il propose au visiteur de déambuler à l'intérieur même de l'œuvre, vaste plateau de jeu à parcourir case après case, avant d'être enfermé dans un cycle sans fin au milieu des images".

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Wes Anderson, L'exposition
Du 19 mars au 27 juillet 2025
Cinémathèque
"À la faveur de collaborations s'étalant sur plusieurs décennies, et grâce à sa fidélité absolue à la pellicule, Wes Anderson a développé un style cinématographique qui lui est incontestablement propre. Cette exposition est la toute première qui permette à la fois d'explorer les spécificités esthétiques de l'ensemble de sa filmographie, et de dévoiler ses inspirations, ses hommages, et le travail artisanal méticuleux qui caractérise sa mise en scène. Du charme mélancolique de La Famille Tenenbaum aux aventures adolescentes de Moonrise Kingdom ou aux techniques novatrices de stop motion, utilisées dans Fantastic Mr. Fox notamment, elle offre l'opportunité de découvrir comment la vision unique d'Anderson et son souci du détail ont permis de créer certains des films visuellement et émotionnellement les plus fascinants de ces derniers temps. À travers une sélection abondante d'accessoires, de costumes originaux, et de documents portant sur les secrets de fabrication, essentiellement issus de sa collection personnelle, cette exposition offre un regard sans précédent sur l'univers de Wes Anderson, et célèbre son influence durable sur le cinéma contemporain".

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Gilbert Peyre, L'électromécanomaniaque
Du 11 septembre 2024 au 31 juillet 2025
Halle Saint Pierre
"Artiste emblématique de la Halle Saint Pierre, Gilbert Peyre accompagne l'aventure de ce musée hors les normes depuis près de quarante ans. Opérant simultanément sur les terrains de l'installation et du spectacle vivant, cet artiste électromécanomaniaque sait concilier la singularité de l'art brut avec l'esprit contemporain dans une ambiance de fête foraine autant visuelle que sonore. Ses machines extravagantes et poétiques sont les manifestations les plus inventives de l'instinct créateur. Elles nous conduisent sur les voies magiques du merveilleux et du fabuleux que nos univers familiers ont occultées".

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Georges Mathieu
Du 11 avril au 7 septembre 2025
Monnaie de Paris
"En mars-avril 1971, Georges Mathieu (1920, Boulogne-sur-Mer ; 2012, Boulogne-Billancourt), alors au faîte de sa notoriété, présentait ses « Médailles et Peintures » dans les salons historiques de la Monnaie de Paris, à l'invitation de son directeur Pierre Dehaye. Collaborant avec l'institution depuis 1967, Mathieu venait en effet de réaliser une exceptionnelle série de médailles frappées en vermeil, argent et bronze commémorant Dix-huit moments de la conscience occidentale. Pour ce support spécifique, qui était pour lui « éminemment synthèse d'art et d'histoire », l'artiste adaptait avec bonheur le langage de l' « Abstraction lyrique », dont il avait été l'initiateur dès 1947. Cassant les codes de l'art de la médaille traditionnelle, l'artiste y mettait en œuvre les innovations techniques de sa « Mathéotypie », tout en adoptant des flans octogonaux ou irréguliers d'une grande originalité.
Plus de 50 ans après cet événement, la Monnaie de Paris, en association cette fois avec le Centre Pompidou, organise dans les mêmes espaces historiques une nouvelle exposition consacrée à Georges Mathieu mettant en regard son œuvre picturale et ses nombreuses créations pour la Monnaie, dont la pièce de 10 francs (dont près de 700 millions d'exemplaires circulèrent entre 1974 et 1987) reste la production la plus emblématique.
Aucun autre peintre, à aucune époque, n'a autant marqué l'environnement visuel de ses contemporains : ses images abstraites, devenues un style-signature, se sont en effet incarnées dans des tableaux, mais aussi sur tous les supports de la modernité, de l'affiche au générique de télévision, en passant par les monnaies et médailles, tandis que leur auteur se forgeait une personnalité publique hors-norme.
C'est ce que cette exposition montrera. Pour ce faire, elle réunit une quarantaine de peintures, souvent de grands formats, dont la quasi-totalité du fonds Mathieu du Centre Pompidou, accompagnées de nombreuses œuvres sur papier, de médailles, de monnaies et d'outillages de frappe, ainsi que d'autres créations d'arts appliqués".

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Wolfgang Tillmans - Rien ne nous y préparait – Tout nous y préparait
Du 13 juin au 22 septembre 2025
Centre Pompidou
"Pour clôturer la programmation au sein du bâtiment qui ferme pendant 5 ans pour rénovation, carte blanche est donnée à l'artiste allemand Wolfgang Tillmans (né en 1968 en Allemagne) pour investir les 6 000 m2 du niveau 2 de la Bibliothèque publique d'information (Bpi), et en explorer sa forme (son architecture, son aménagement…) comme ses fonctions (la trasmission des savoirs, l'accessibilité, la mutualisation…) à la lumière de son univers esthétique. Né de l'esprit de la contre-culture du début des années 1990, le travail photographique de Tillmans explore la profonde transformation des médiums et des supports d'information de notre époque. En proposant de nouvelles façons de faire des images, comme de les regarder, les confronter entre elles ou à d'autres pratiques (image animée, musique, texte, performance…), c'est à un nouvel humanisme que l'artiste nous invite."

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THÈME III : LES LIEUX DE L'ART (MUSÉES, INSTITUTIONS, ÉVÉNEMENTS)

Play. Ballet de Alexander Ekman
Du 07 décembre 2024 au 04 janvier 2025
Opéra Garnier
"Une piscine de balles vertes, des cubes géants suspendus au plafond, des parties de ballons et des courses-poursuites à en perdre haleine… Dans Play, Alexander Ekman interpelle les adultes et se demande ce que nous faisons des jeux de notre enfance.
Avec une scénographie aussi impressionnante que décalée, des tableaux oniriques rythmés par la musique jazzy de Mikael Karlsson et une fantaisie en forme de pied de nez à l'esprit de sérieux de l'âge adulte, le chorégraphe suédois signe une œuvre ludique et transgressive.
Depuis sa création en 2017 au Palais Garnier par le Ballet de l'Opéra national de Paris, cette œuvre pour quarante danseurs est plébiscitée par le public, séduit par l'imaginaire et l'énergie communicative de cette pièce qui ressuscite nos joies d'enfants".

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Zad Moultaka - ŠAMAŠ, CRIER LA PAIX
Du 10 décembre 2024 au 06 avril 2025
Institut du Monde Arabe
"Une étrange mélopée aux voix inaudibles, comme empêchées, surgit d'un réacteur de bombardier des années 1950, face à un mur de pièces étincelant : avec ŠAMAŠ, spectaculaire installation dévoilée au pavillon du Liban de la Biennale de Venise en 2017 et encore jamais montrée en France, le compositeur et plasticien Zad Moultaka lance un vibrant appel contre la barbarie des armes.
ŠamaŠ, spectaculaire installation de l'artiste pluridisciplinaire libanais, compositeur et plasticien, avait fortement impressionné au pavillon du Liban de la Biennale de Venise en 2017, puis au musée Sursock à Beyrouth, mais n'avait jamais été exposée en France où vit Moultaka".

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THÈME V : LA VALEUR ÉCONOMIQUE DE L'ART : LE MARCHÉ, L'ÉCONOMIE, LEURS LIEUX ET LEURS ACTEURS

Heinz Berggruen, un marchand et sa collection
Du 02 octobre 2024 au 27 janvier 2025
Musée de l'Orangerie
"Dans la lignée d'un Paul Guillaume, le marchand-collectionneur allemand Heinz Berggruen a constitué un ensemble exceptionnel de ses maîtres du XXe siècle. Cette exposition permet d'explorer le rapport de ce galeriste singulier avec ses artistes et son réseau du marché de l'art de l'après-guerre à Paris (...)
Passionné, il noue très rapidement des contacts avec la sphère culturelle parisienne et rencontre autant les artistes à exposer que les poètes, marchands, historiens, critiques et collectionneurs de l'époque. Berggruen se fait une place certaine dans la capitale et fort de son succès, il devient son « meilleur client ». En effet, guidé par ses propres goûts et affinités, il constitue une solide collection d'œuvres du 20ème siècle autour de ses deux maîtres favoris : Picasso et Klee".

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THÈME VI : LA CIRCULATION DES ŒUVRES ET LES ÉCHANGES ARTISTIQUES

We Are Here. Une exploration d'art urbain
Jusqu'au17 novembre 2024
Petit Palais
"Pour la première fois, le Petit Palais ouvre ses portes aux artistes d'art urbain, les invitant à engager un dialogue subtil avec ses collections permanentes et son architecture. Une véritable exploration d'art urbain s'offre ainsi aux visiteurs à travers un parcours d'œuvres inédites, accessible gratuitement.
Treize artistes majeurs du mouvement Street art comme Shepard Fairey, Invader, D*Face, Seth, Cleon Peterson, Hush, Swoon, Vhils, Inti, Add Fuel ou encore Conor Harrington investissent le Petit Palais avec des œuvres monumentales et tissent des liens avec les collections du musée. Cette déambulation conduit le visiteur jusqu'à une installation de plus de 200 œuvres, présentée dans une seule salle des collections. Cet accrochage spectaculaire a été pensé comme un hommage aux différents Salons comme le Salon des Refusés ou le Salon d'Automne, à l'origine de nombreuses révolutions artistiques au tournant des XIXe et XXe siècles. Dans cet esprit, les œuvres réunies dans cette salle ont été créées par des artistes majeurs qui ont écrit et continuent d'écrire l'histoire du mouvement Street art. Une scénographie immersive invite le public à plonger dans toute la diversité et la richesse de ce mouvement artistique".

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Paquita. Ballet de Pierre Lacotte
Du 05 décembre 2024 au 04 janvier 2025
Opéra Bastille
"« Quand je recrée un ballet, je suis en quête du parfum de l'époque », disait le danseur et chorégraphe Pierre Lacotte, disparu en 2023. Pour Paquita, ce parfum a l'odeur capiteuse de l'Espagne, mâtinée des fragrances élégantes de la France.
Dans la vallée des taureaux, près de Saragosse occupée par les armées napoléoniennes, Paquita, une jeune gitane, refuse les avances d'un aristocrate, Lucien d'Hervilly, en raison de sa condition trop modeste. Mais en le sauvant d'un complot monté par le gouverneur espagnol, elle va découvrir que ses origines sont bien plus nobles qu'elle ne le croyait…
Passionné du répertoire romantique, Pierre Lacotte reconstitue en 2001 le ballet de Joseph Mazilier qui enchanta Théophile Gautier à sa création à l'Opéra de Paris en 1846, mais tomba peu à peu dans l'oubli malgré la nouvelle version de Marius Petipa en 1882. Avec ses somptueux décors et costumes, sa Paquita campe une Espagne pittoresque où pantomime et danses de caractère s'allient à une technique exigeante d'une vivacité éblouissante".

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La Reine des neiges par le Ballet de l'Opéra National d'Ukraine
Du 21 décembre 2024 au 05 janvier 2025
Théâtre des Champs-Élysées
"La venue en décembre 2022 du ballet et de l'orchestre de l'Opéra National d'Ukraine avait été l'un les moments forts de ces dernières saisons de la vie du Théâtre. Une immense émotion avait saisie artistes, équipes du Théâtre et public à chaque représentation et tout particulièrement le soir de la dernière, lorsque la salle entière se levait au moment de l'hymne ukrainien. Depuis les conditions de vie et de travail sont toujours difficiles à Kiev pour les Ukrainiens mais la troupe tient bon et c'est avec fierté et plaisir que nous leur renouvelons notre soutien et les retrouvons ainsi lors de la période des fêtes de fin d'année. Ils présenteront La Reine des neiges, adapté du conte éponyme d'Andersen sur des musiques de Grieg, Massenet, Offenbach, Johann Strauss et Berlioz. Cette version chorégraphique est signée Aniko Rekhviashvili qui a relevé en 2015 le défi de raconter l'histoire de la jeune Gerda et de sa lutte contre un ennemi maléfique et glacial. Malgré son thème, il s'agira bien d'une soirée toute empreinte de magie et de féérie".

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THE TREE, FRAGMENTS OF POETICS ON FIRE. Akram Khan
Du 11 au 14 janvier 2025
Théâtre des Champs-Élysées
"Chorégraphe et danseur prodigieux de virtuosité, emblème chorégraphique du métissage des cultures, Akram Khan a révolutionné le monde de la danse. Profondément émouvant, son style est à la fois poétique, novateur et spectaculaire, grâce à une narration intelligemment élaborée. Fort d'une double culture de classique indien Kathak et de danse contemporaine, il s'est imposé comme le magicien des rencontres et du mélange des genres. Cette ouverture au monde trouve écho dans sa nouvelle création : une œuvre unique mêlant danse contemporaine et danses traditionnelles, présentée par un chorégraphe occidental de renom international. Akram Khan réunit sur scène musiciens et danseurs solistes (stars des danses classiques indiennes) et intervient ponctuellement lui-même en tant que danseur. Avec Gigenis, le chorégraphe revient à ses racines. S'inspirant de son lien profond avec les traditions ancestrales et de sa capacité à tisser des récits grâce au mouvement, Gigenis transcende le temps et invoque les mémoires collectives de notre civilisation. Gigenis n'est pas un simple spectacle, mais une prise de position profonde, un manifeste témoignant de l'importance de la tradition dans un monde en évolution constante".

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Dialogues II
Du 24 au 27 avril 2025
Théâtre des Champs-Élysées
"Deuxième édition de Dialogue où une soirée de rêve de pas de deux pour les amateurs de danse moderne avec rien moins que quatre chorégraphes appartenant au gratin de la danse mondiale, explorant chacun à leur manière l'âme humaine dans toute sa richesse et diversité de langage. Honneur au doyen Mats Ek qui ouvrira la soirée avec A sort of…, une rêverie burlesque dans un univers à la Magritte. Suivra Sacred monsters, le mythique duo imaginé par Akram Khan en 2008. Cette année-là, il apparaissait aux côtés de Sylvie Guillem ici-même pour nous faire découvrir ce fascinant dialogue dansé. Ce soir, ce sont les solistes du Ballet Royal de Flandres qui relèvent le défi. La chorégraphe Sharon Eyal et Gai Behar, figure de la musique live de Tel Aviv, proposent Into the Hairy, une pièce dans laquelle elle creuse plus profondément encore la nature de ses sentiments, comme si, selon ses mots, il s'agissait de mettre « la peau de mon âme à nu ». Et pour conclure la soirée, la création française du récent ballet Couch, un duo sous forme de comédie et sur une musique de Bizet".

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Mehdi Qotbi, une vie, une œuvre
Du 15 octobre 2024 au 05 janvier 2025
Institut du Monde arabe
"L'Institut du monde arabe consacre une rétrospective à l'artiste franco-marocain Mehdi Qotbi. La peinture de Mehdi Qotbi est marquée par la calligraphie arabe, dans la tradition de la hurufiyya. Il a travaillé avec de nombreux écrivains qui ont ajouté leurs mots à son foisonnement de « signes » : Michel Butor, Aimé Césaire, Léopold Sédar Senghor, Octavio Paz, Nathalie Sarraute...".

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Ravel Boléro
Du 3 décembre 2024 au 15 juin 2025
Philharmonie de Paris
"Le Boléro incarne presque toutes les caractéristiques de la production et de la personnalité de Ravel. Sous la forme d'une exposition dédiée à l'étude rayonnante de cette œuvre, la Philharmonie de Paris célèbre le 150e anniversaire de la naissance du compositeur et livre un portrait de l'artiste en forme de kaléidoscope. Le parcours propose une expérience audiovisuelle saisissante, en même temps qu'il réunit des objets patrimoniaux issus des collections françaises les plus prestigieuses, notamment de la maison-musée Ravel à Montfort-l'Amaury, où fut composé le Boléro".

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« L'art « dégénéré » : Le procès de l'art moderne sous le nazisme »
Du 18 février au 25 mai 2025
Musée Picasso
"Le Musée national Picasso-Paris présente du 18 février au 25 mai 2025, sa nouvelle exposition temporaire : « L'art « dégénéré » : Le procès de l'art moderne sous le nazisme ». Première exposition en France consacrée à l'Art dit « dégénéré », elle explore et met en perspective l'attaque méthodique du régime nazi contre l'art moderne et la place qu'occupe Pablo Picasso, archétype de l'artiste « dégénéré » dans cette histoire.
« L'art « dégénéré » : le procès de l'art moderne sous le nazisme. » étudie en particulier l'exposition de propagande « Entartete Kunst » (Art dégénéré), organisée en 1937 à Munich, montrant plus de 700 œuvres d'une centaine d'artistes, représentants des différents courants de l'art moderne, d'Otto Dix à Ernst Ludwig Kirchner, de Vassily Kandinsky à Emil Nolde, de Paul Klee à Max Beckmann, dans une mise en scène conçue pour provoquer le dégoût du visiteur.
Point culminant d'une série d'expositions infamantes mises en place dans plusieurs musées dès 1933 (Dresde, Mannheim, Karlsruhe…) pour dénoncer les avant-gardes artistiques comme une menace à la « pureté » allemande, « Entartete Kunst » s'inscrit dans le contexte d'une « purge » méthodique des collections allemandes. Plus de 20 000 œuvres, parmi lesquelles celles de Vincent Van Gogh, Marc Chagall ou de Pablo Picasso, désigné comme artiste « dégénéré » dès les années 1920 aussi bien en France, qu'en Allemagne, sont ainsi retirées, vendues ou détruites.Au centre de cette histoire, le terme de « dégénérescence », émergeant au cours du XIXe siècle dans différentes disciplines (histoire naturelle, médecine, anthropologie, histoire de l'art…) jusqu'à sa cristallisation au cœur de la « vision du monde » national-socialiste, sert de vecteur au déploiement des théories racistes et antisémites au sein de l'histoire de l'art".

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Paris noir - Circulations artistiques, luttes anticoloniales 1950-2000
Du 19 mars au 30 juin 2025
Centre Pompidou
"De la création de la revue Présence africaine à celle de Revue noire, « Paris noir » retrace la présence et l'influence des artistes noirs en France entre les années 1940 et 2000. Elle met en lumière 150 artistes afro-descendants, de l'Afrique aux Amériques, dont les œuvres n'ont souvent jamais été montrées en France. Tous acteurs pour autant d'un Paris cosmopolite, lieu de résistance et de création, qui a donné naissance à une grande variété de pratiques, allant de la prise de conscience identitaire à la recherche de langages plastiques transculturels – et particulièrement prégnante dans la redéfinition des modernités et postmodernités. Le parcours de l'exposition retrace un demi-siècle de luttes pour l'émancipation, des indépendances africaines à la chute de l'apartheid, en passant par les combats contre le racisme en France."

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Louvre couture - Objets d'art, objets de mode
Du 24 janvier au 21 juillet 2025
Louvre
"Si nous savons depuis Paul Cézanne que "le Louvre est un livre dans lequel nous apprenons à lire", cet inépuisable source d'inspiration n'a pour autant pas échappé à un monde de la création contemporaine parmi les plus vivants, celui de la mode. De plus en plus, les études et les monographies consacrées aux grands noms de la mode n'hésitent pas à tracer des généalogies esthétiques qui remettent ces personnalités dans une perspective historique et artistique. Le rythme n'est pas seulement celui des ruptures, plus ou moins radicales, ni du changement saisonnier, il est aussi celui des échos et des rappels. Les fils qui se tissent entre leur œuvre et le monde de l'art sont presque infinis, et l'histoire de l'art telle que l'exprime le musée du Louvre, dans la profondeur de ses collections et les reflets du goût, est un terrain d'influence et de sources tout aussi vaste.
Face à l'immensité encyclopédique du Louvre, la méthode ici proposée est de poser ce sujet multiple à l'aune de l'histoire des styles décoratifs, des métiers d'art et de l'ornement, au fil des galeries et des salles du département des Objets d'art. La présence textile y est fondamentale, mais davantage tournée vers les décors et les tapisseries que vers le vêtement même.
Sur près de 9 000 mètres carré, c'est ainsi 65 silhouettes contemporaines, accompagnées d'une trentaine d'accessoires, qui sont déployées en un dialogue étroit, inédit, historique et poétique avec les chefs-d'œuvre du département, de Byzance au second empire. Autant de prêts remarquables, accordés par les maisons les plus emblématiques, des plus anciennes aux plus récentes, de Paris et d'ailleurs.
Il ne s'agit pas ici de parsemer de pièces de mode le département des Objets d'art, mais de susciter ou de souligner des rapprochements avérés, ses collections ayant parfois été modelées par la générosité d'hommes et femmes de la mode, de Jacques Doucet à Madame Carven. Au regard de l'histoire de l'art et de la mode, les complicités sont innombrables, elles épousent souvent des méthodes communes, la connaissance des techniques les plus anciennes, la culture visuelle, le jeu subtil des références, du catalogue raisonné du musée au moodboard de la mode. Une autre manière de regarder les objets d'art au prisme du regard des créateurs contemporains".

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TERMINALE SPÉCIALITÉ
UN ARTISTE EN SON TEMPS : EUGÈNE VIOLLET-LE-DUC
Dessiner la cathédrale au XIXe siècle Du 05 novembre 2024 au 02 mars 2025 Musée d'Orsay "Alors que s'achève la restauration de Notre-Dame, cet accrochage de dessins se penche sur l'engouement des artistes pour les cathédrales au XIXe siècle. Ces artistes tracent leur chemin dans le sillon de Victor Hugo et de l'architecte Eugène Viollet-Le-Duc, dont les restaurations convoquent un nouvel imaginaire du Moyen Âge. À travers le prisme du pittoresque ou du sublime, entre autres, un nouveau regard se porte alors sur la majesté de ces édifices, lieux d'histoire, de religion et de mémoire". En savoir plus sur l'exposition
Faire parler les pierres. Sculptures médiévales de Notre-Dame Du 19 novembre 2024 au 16 mars 2025 Musée de Cluny "Le musée de Cluny conserve une partie importante du décor médiéval sculpté de la cathédrale Notre-Dame de Paris. Celles-ci n'avaient pas fait l'objet d'une étude approfondie depuis le début des années 1980. L'exposition "Faire parler les pierres. Sculptures médiévales de Notre-Dame" promet de renouveler la connaissance sur ces collections, en révélant les résultats de l'important programme d'étude et de restauration mené depuis 2022. Aux œuvres habituellement présentées dans la salle des sculptures de Notre-Dame s'ajoutent dans l'exposition des pièces encore jamais montrées au public. Une sélection de fragments permet d'évoquer les corps disparus des statues colossales de la galerie des rois. Un dossier consacré à la statue d'Adam, chef-d'œuvre de la sculpture gothique, déroule son parcours mouvementé jusqu'à nos jours. La scénographie restitue la disposition des fragments restaurés du portail Sainte-Anne et des linteaux du portail du Jugement dernier. Les traces de polychromie retrouvées de ces œuvres sont également mises en valeur. ". En savoir plus sur l'exposition

PARIS, CAPITALE DES DES ARTS, DE 1900 À 1950

La mode en modèles. Photographies des années 1920-1930
Du 6 novembre 2024 au 26 janvier 2025
MAD
"L'exposition « La mode en modèles » présentée du 6 novembre 2024 au 26 février 2025, met en lumière une sélection de la collection de dépôts de modèle conservée par le musée. Plus de cent photographies, dessins, films et robes de haute couture permettent de dresser un panorama de la création de mode parisienne des années folles, de 1917 à 1939. Ces clichés, souvent méconnus mais essentiels à la protection juridique des maisons de couture, offrent une vision détaillée des œuvres des grands couturiers, des Sœurs Callot à Jeanne Paquin, de Jeanne Lanvin à Elsa Schiaparelli, en passant par Madeleine Vionnet et Jean Patou. Ils permettent ainsi de suivre l'évolution de l'innovation et de l'esthétique de la mode de cette période emblématique.

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Paul Poiret, couturier, décorateur et parfumeur
Du 25 juin 2025 au 11 janvier 2026
MAD
"« Paul Poiret, couturier, décorateur et parfumeur » offre une immersion dans son univers créatif, explorant son audace et sa puissance artistique à travers la mode, les arts décoratifs, la parfumerie, la fête, et même la gastronomie, dans le contexte culturel bouillonnant des premières décennies du XXe siècle. En mettant en lumière l'influence durable de son œuvre sur les stylistes contemporains, l'exposition offre une expérience captivante, avec une sélection d'œuvres, de documents et de témoignages."

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FEMME, FÉMINITÉ, FÉMINISME

The Three. Carolyn Carlson Company
22 et 23 octobre 2024
Théâtre des Champs-Élysées
"« Nous ne sommes pas extérieurs à l'Univers ; nous sommes des graines évoluant en cycles et en rythme, comme les changements de saisons qui régissent chaque création. » C'est ainsi que Carolyn Carlson définit sa dernière grande création pour sa compagnie. The Tree est une réflexion poétique sur l'humanité et la nature, au bord du naufrage... Après Eau, Pneuma et Now, elle vient clore le cycle de pièces inspirées par Gaston Bachelard à l'américaine. La vision onirique de Carolyn Carlson et la virtuosité des danseurs font de The Tree une manifestation d'amour puissante et vitale à une nature au bord de l'effondrement, avec l'espoir d'une renaissance à la manière du Phénix qui renaît de ses cendres".

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Didon et Énée par Blanca Li
Du 17 au 31 octobre octobre 2024
La Villette
"À l'occasion de sa nouvelle création, Blanca Li présente une version contemporaine de Didon et Enée d'après l'opéra de Purcell. Inspirée par les thèmes intemporels tels que la relation charnelle ou ses contraintes imposées par la société, elle imagine, pour dix interprètes, une danse légère qui reflète les émotions des personnages et souligne ainsi les non-dits de la musique et du texte".

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Barbara Crane
Du 11 septembre 2024 au 6 janvier 2025
Centre Pompidou
"Réunissant plus de 200 œuvres, cette exposition revient sur les 25 premières années de la carrière de la photographe américaine, Barbara Crane (1928-2019).
Remarquable, son œuvre l'est par la synthèse qu'elle opère entre la tradition de la straight photography américaine et une sensibilité plus expérimentale, héritée des avant-gardes européennes, typique des enseignements de l'école de Chicago. En témoigne notamment une approche de la ville – Chicago en premier lieu – et de ses habitants anonymes, travaillée par les concepts de séquence et série, accidents et discipline, et inlassablement explorée au travers de multiples techniques photographiques poussées à leur perfectionnisme.

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Olga de Amaral
Du 12 octobre 2024 au 16 mars 2025
Fondation Cartier
"La Fondation Cartier pour l'art contemporain présente la première grande rétrospective en Europe d'Olga de Amaral, figure incontournable de la scène artistique colombienne et du Fiber Art. L'exposition rassemble près de 90 œuvres créées entre les années 1960 et aujourd'hui, dont beaucoup n'ont jamais été présentées hors de Colombie. Outre les créations vibrantes à la feuille d'or qui ont fait la notoriété de l'artiste, l'exposition révèle ses toutes premières recherches et expérimentations textiles ainsi que ses pièces monumentales".

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Tarsila do Amaral
Du 09 octobre 2024 au 02 février 2025
Musée du Luxembourg
"Figure centrale du modernisme brésilien, Tarsila do Amaral (1886-1973) est la créatrice d'une œuvre originale et évocatrice, puisant dans les imaginaires indigéniste, populaire et moderne d'un pays en pleine transformation.
À Paris, dans les années 1920, elle met son univers iconographique à l'épreuve du cubisme et du primitivisme, avant d'initier, à São Paulo, le mouvement « anthropophagique », prônant la « dévoration », par les Brésiliens, des cultures étrangères et colonisatrices, comme forme à la fois d'assimilation et de résistance.
Ses paysages aux couleurs vives laissent alors la place à des visions insolites et fascinantes, avant qu'une dimension plus ouvertement politique n'apparaisse dans ses toiles des années 1930. Le gigantisme onirique et la géométrie presque abstraite de ses dernières compositions ne font que confirmer la puissance d'une œuvre ancrée dans son temps et toujours prête à se renouveler.
Venant combler un manque de reconnaissance de l'artiste en Europe et présentant quelques aspects inédits de son œuvre, cette rétrospective nous invite au cœur du Brésil moderne et de ses clivages entre tradition et avant-garde, centres et périphéries, cultures savantes et populaires".

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Myriam Mihindou. Praesentia
Du 17 octobre 2024 au 05 janvier 2025
Palais de Tokyo
"Le Palais de Tokyo confie l'espace de la « grande verrière » à l'artiste Malala Andrialavidrazana. Cette œuvre monumentale sur un mur courbe de près de 60 mètres de longueur permet à l'artiste de réagencer le travail de photomontages numériques qu'elle montre internationalement depuis 2015 pour en faire une proposition inédite, démultipliée à l'échelle de l'architecture. Elle constitue ainsi à la fois une exposition personnelle, sa première dans une institution publique à Paris, et une rétrospective incluant de nouvelles œuvres".

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Malala Andrialavidrazana. Figures
Du 17 octobre 2024 au 05 janvier 2025
Palais de Tokyo
"« Praesentia » (titre polysémique évoquant présence, puissance et protection) propose un dépliage généreux du travail de Myriam Mihindou de ces vingt dernières années, incluant de nouvelles productions. L'exposition s'intéresse particulièrement à la manière dont l'artiste assume des fonctions spirituelles et thérapeutiques mais aussi sociales et politiques de l'art, à travers les gestes, les formes et les matières".

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Harriet Backer. La musique des couleurs
Du 24 septembre 2024 au 12 janvier 2025
Musée d'Orsay
"Méconnue hors des frontières de son pays, la peintre norvégienne Harriet Backer a pourtant été la peintre femme la plus renommée dans son pays à la fin du XIXe siècle. Célèbre pour son usage de coloris riches et lumineux, elle a réalisé une synthèse très personnelle des scènes d'intérieur et de la pratique du plein-air. Elle puisait aussi bien son inspiration dans le courant réaliste que dans les innovations de l'impressionnisme à travers une touche libre et un très grand intérêt porté aux variations de la lumière. Elle est aussi connue pour ses portraits sensibles du monde rural et son intérêt pour les intérieurs d'églises.
À une époque où les femmes n'étaient pas considérées en Norvège comme des citoyennes à part entière, elle s'est hissée à la force du pinceau comme une figure importante de la scène artistique de son temps. Membre du conseil d'administration et du comité d'acquisition de la Galerie nationale de Norvège pendant vingt ans, elle ouvre au début des années 1890 une école de peinture où elle forme des artistes importants de la génération suivante, tel Nikolai Astrup, Halfdan Egedius et Helga Ring Reusch. Elle est soutenue par le collectionneur Rasmus Meyer, également grand mécène d'Edvard Munch".

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Chantal Akerman. Travelling
Du 28 septembre 2024 au 19 janvier 2025
Jeu de Paume
"Chantal Akerman. Travelling retrace le parcours atypique de cette figure emblématique qui ne cesse d'inspirer et fasciner des générations d'artistes et cinéphiles et dont le film Jeanne Dielman, 23 quai du commerce, 1080 Bruxelles est auréolé du titre de « Meilleur film de tous les temps » décerné en 2022 par la revue britannique Sight&Sound.
L'exposition au Jeu de Paume propose un dialogue entre ses films, ses installations et une bio-filmographie contenant des archives inédites. Suivant les étapes de sa carrière, elle est une invitation à parcourir les années et les lieux qu'elle a traversés et filmés, de ses débuts à Bruxelles jusqu'au Mexique en passant par Paris et New York".

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Tina Barney. Family Ties
Du 28 septembre 2024 au 19 janvier 2025
Jeu de Paume
"L'exposition, qui retrace 40 ans de la carrière de l'artiste, est la plus grande rétrospective européenne à lui être consacrée à ce jour.
Née en 1945, Tina Barney entreprend à la fin des années 1970 de photographier ses proches et amis. Fine observatrice des rituels familiaux, elle s'intéresse particulièrement aux relations entre les générations dans le cadre domestique. Ses portraits colorés, souvent de groupe et de grand format, qui semblent à première vue tenir de l'instantané familial, sont pour la plupart soigneusement mis en scène par l'artiste, créant des tableaux composés qui établissent un dialogue avec la peinture classique. D'autres capturent avec spontanéité des moments insaisissables d'interaction entre les sujets. Tina Barney a par ailleurs souvent photographié sur commande : ses portraits de célébrités pour la presse, magazines de mode et marques de luxe témoignent de la même complexité, sensibilité et parfois humour que dans sa pratique artistique.
L'exposition, produite par le Jeu de Paume, dévoile une sélection de 55 tirages à grande échelle mêlant images en couleur et noir et blanc, clichés de ses débuts et productions inédites, œuvres de commande et personnelles, modèles connus telle Julianne Moore ou anonymes et proches de l'artiste".

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Nadia Léger, une femme d'avant-garde
Du 08 novembre 2024 au 23 mars 2025
Musée Maillol
"Nadia Khodossievitch-Léger (1904-1982) a été une figure de l'art du XXe siècle. À travers plus de 150 œuvres, la rétrospective Nadia Léger. Une femme d'avant-garde retrace le parcours largement méconnu de cette femme d'exception, tout à la fois peintre prolifique, éditrice de revue, collaboratrice de son époux Fernand Léger, résistante, bâtisseuse de musées et fervente militante communiste.
L'exposition suit son itinéraire de son village natal biélorusse à Paris, les influences qu'elle a subies et les communautés artistiques qu'elle a côtoyées. Grâce à des dialogues inédits avec les œuvres de Fernand Léger, Pablo Picasso, et des élèves de l'Atelier Léger (Nicolas de Staël, Hans Hartung, Marcelle Cahn…), l'exposition explore l'univers de cette adepte des aventures collectives.
Artiste avant tout, son œuvre picturale n'a cessé d'évoluer au contact des avant-gardes de son temps, en tension constante entre abstraction et figuration. Du cubisme au suprématisme, du suprématisme au réalisme et un retour au suprématisme, sa production témoigne d'une capacité à se réinventer, illustrée par une signature changeant au gré des étapes de sa vie créatrice. ".

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Lai Abril - ON MASS HYSTERIA / UNE HISTOIRE DE LA MISOGYNIE
Du 17 janvier au 18 mai2025
Bal
"Dans On Mass Hysteria, Laia Abril propose une lecture visuelle des différentes interprétations mises en oeuvre pour tenter d'expliquer ce qui a longtemps été qualifié « d'hystérie collective ». Ces phénomènes frappent principalement des communautés d'adolescentes et de femmes étroitement soudées, confrontées à des situations de stress majeur ou d'oppression qui manifestent des symptômes collectifs dépourvus de cause physiologique : évanouissements, tremblements, fous rires inextinguibles, transes".

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Gisèle Halimi, une farouche liberté
Du 17 septembre 2024 au 31 mai 2025
La Scala
"Créé triomphalement à La Scala Paris la saison dernière, ce spectacle bouleversant est un hommage essentiel à la célèbre avocate. Depuis sa création, cette production de La Scala Paris affiche complet ! Interprétée par Ariane Ascaride et Philippine Pierre-Brossolette, elle s'appuie sur le livre d'entretiens entre la célèbre avocate et la journaliste Annick Cojean, Une farouche liberté, et raconte soixante-dix ans de combats, d'engagement au service de la justice et de la cause des femmes menés par cette personnalité d'exception. Elle met en scène tous les visages de la célèbre avocate éprise de liberté : la femme politique rebelle, la jeune fille, la mère, la grand-mère, l'amoureuse…".

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L'extraordinaire destinée de Sarah Bernhardt
À partir du 27 août 2024
Théâtre du Palais-Royal
"La vie de la première star internationale, celle qu'on nomma « la divine », « le monstre sacré », « la voix d'or », « l'impératrice du théâtre », « la scandaleuse ».
Sarah, celle qui dormait dans un cercueil, collectionnait les hommes et les animaux, fit un enfant avec un prince, traversa deux guerres, claqua deux fois la porte de la Comédie Française, alla jouer jusqu'au far West… Tout cela avec extravagance, humour et un engagement sans faille, portée par sa devise, « Quand-même ! »
Dix artistes, 35 personnages : une ode à la liberté, la prise de risque et la détermination".

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Suzanne de Valadon
Du 15 janvier au 26 mai 2025
Centre Pompidou
"Quelque 200 œuvres, dessins et peintures – les deux médiums de prédilection de l'artiste –, réparties en cinq sections thématiques permettent de retracer l'itinéraire singulier de Suzanne Valadon (1865-1938), depuis ses débuts de modèle favorite du tout-Montmartre, jusqu'à sa reconnaissance artistique, intervenue très tôt, par ses pairs et la critique. Audacieuse, ostensiblement moderne, en marge des courants dominants de son époque, Valadon choisit de peindre le réel et de représenter les corps sans artifice ni voyeurisme. Elle est la première femme à peindre en grand format un nu masculin de face."

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Le Paris d'Agnès Varda de-ci, de-là
Du 09 avril 2025 au 24 août 2025
Musée Carnavalet
"L'exposition aborde l'œuvre d'Agnès Varda sous un angle inédit : elle révèle la place primordiale de la cour-atelier de la rue Daguerre, lieu de vie et de création, depuis 1951 jusqu'à 2019 et plus généralement de Paris dans une œuvre libre et foisonnante qui ne cède jamais à la facilité et fait merveilleusement dialoguer documentaire et fiction. »

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Gabriele Münter - Peindre sans détours
Du 4 avril au 24 août 2025
Musée d'Art Moderne de la ville de Paris
"Le Musée d'Art Moderne de Paris présente la première rétrospective en France consacrée à l'artiste allemande Gabriele Münter (1877-1962). Co-fondatrice du cercle munichois du Cavalier Bleu (Blaue Reiter), Gabriele Münter compte parmi les femmes artistes les plus éminentes de l'expressionnisme allemand. Dans un monde artistique dominé par les hommes, elle a su créer une œuvre extrêmement personnelle et diverse qui s'étend sur six décennies.
Si son nom reste souvent associé à celui de Kandinsky qui fut son compagnon durant ses années munichoises (1903-1914), Gabriele Münter n'a jamais cessé de se renouveler, avec une étonnante modernité, maitrisant un grand nombre de techniques et laissant une œuvre foisonnante.
À la suite des rétrospectives très remarquées consacrées à Sonia Delaunay en 2014-2015, Paula Modersohn-Becker en 2016 et Anna-Eva Bergman en 2023, le MAM poursuit ainsi sa politique de présentation de figures féminines majeures de l'Art moderne dont les parcours artistiques sont étroitement liés à la capitale. Le musée invite à découvrir cette pionnière de l'Art moderne, qui débuta sa carrière à Paris, où elle exposa pour la première fois en 1907 au Salon des Indépendants".

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