Histoire des arts

LES NEWSLETTERS HDA de l'académie de Versailles

2026-04-16T12:31:00Z

Retrouvez les actualités académiques et nationales, les temps forts artistiques et culturels du moment et nos coups de cœur de lecture dans nos newsletters HDA. Bonne lecture à toutes et à tous !!

L'équipe HDA de l'académie de Versailles

Nos coups de coeur 2025-2026

Béatrice Jaffre, Elsa Vincent, Gildas Morin, Mélie Jouassin — 2026-04-16T08:44:00Z

Anne BOURRASSÉ, Les Refusées. Les artistes femmes n'existent pas, Éditions du Seuil, 2026.
En lien avec le programme de 1ère spécialité et l'étude thématique V "La valeur économique de l'art : le marché, l'économie, leurs lieux et leurs acteurs", le programme de Terminal option "Musée, musées" et en guide d'au-revoir au programme de Terminale spécialité "Femmes, féminité, féminisme"

Commissaire d'exposition et critique d'art contemporain, Anne Bourrassé propose une relecture critique de l'histoire de l'art en révélant l'effacement systématique des artistes femmes par les institutions et les récits dominants. S'appuyant sur son expérience de terrain et sur une enquête rigoureuse, elle mêle récit d'histoire de l'art, analyse documentée et réflexion personnelle sur les inégalités de genre, de classe et de race dans le monde de l'art. L'autrice rappelle par exemple qu'Artemisia Gentileschi est longtemps restée dans l'ombre du Caravage, qu'Augusta Savage a ouvert la voie à Jean-Michel Basquiat, ou encore que Janet Sobel a pratiqué le dripping avant Jackson Pollock, sans bénéficier de la même reconnaissance. En confrontant ainsi des binômes d'artistes, elle met au jour les mécanismes systémiques de domination masculine qui structurent encore le champ artistique. Bourrassé souligne, chiffres à l'appui, qu'il faudrait encore environ cent vingt ans pour atteindre la parité entre artistes femmes et hommes si rien ne change, malgré la forte proportion d'étudiantes en écoles d'art. L'ouvrage met enfin en lumière la façon dont les institutions (écoles, musées, marché de l'art, critique) construisent le canon artistique et contribuent à l'effacement des femmes, hier comme aujourd'hui. Dans ce texte engagé, militant, solidement documenté et étayé par des données chiffrées, l'autrice met en lumière les multiples inégalités qui traversent le monde de l'art afin de revenir aux sources de sa fonction de curatrice : « soigner » l'art et prendre soin des artistes, femmes comprises.

Une rencontre avec l'autrice est organisée le 16 avril à la galerie Agnès B. dans le 13e

Sophie CRAS et Charlotte Guichard, Vendre son art, de la Renaissance à nos jours, Seuil, L'univers historique, 2025.
En lien avec le programme de 1ère spécialité et l'étude thématique V "La valeur économique de l'art : le marché, l'économie, leurs lieux et leurs acteurs"

L'ouvrage cherche à remettre les artistes et leurs œuvres au cœur des interrogations sur le marché de l'art et à faire percevoir la complexité des relations économiques, sociales et personnelles qui, de la Renaissance à nos jours, le structurent. Il dépasse ainsi l'idée d'un marché de l'art qui s'imposerait aux acteurs et artistes en mettant en lumière la manière dont ces derniers ont façonné le marché de l'art, se sont appuyés sur lui, et ont ainsi défendu leur art et gagné leur vie. Parallèlement, les relations au sein du marché de l'art ont infléchi les pratiques artistiques. Les deux chercheuses s'intéressent au premier marché, qui débute dans l'atelier, lieu des transactions avec différents acteurs, et montrent comment la négociation du prix fixé a vu ses critères et ses règles évoluer au fil des époques. Les autrices montrent aussi comment les œuvres n'ont pas attendu l'invention de la photographie pour être reproduites et comment le marché s'est depuis longtemps fondé sur une « économie du multiple ».

Loïc PRIGENT, Mille milliards de rubans, La vraie histoire de la mode, 2025.
En lien avec "Paris, capitale des arts, première moitié du XXe siècle"

Ce petit ouvrage est écrit avec verve et intelligence par Loïc Prigent, documentariste français spécialisé dans la mode et auteur de nombreux reportages passionnants sur cet univers. Ce premier tome (deux autres sont à prévoir) raconte "la couture française et internationale, du XIXe siècle à l'ouverture de la première boutique Coco Chanel en 1913. La naissance des grands couturiers, les clientes-stars, les débuts de la commercialisation de masse par l'industrie, les dessus et les dessous de cette exception française sont révélés. Comment la mode est-elle devenue la mode ? Comment le système s'est-il mis en place ? Qui a mis au point les machines, les prospectus, les vitrines, la frivolité comme modèle économique ? Qui a décidé du rythme des collections ? Qui a eu l'idée d'ajouter des étiquettes ? Des défilés et les mannequins ?"

Journée d'étude 2025-2026 « Histoire des arts, enseigner les faits religieux »

Béatrice Jaffre, Elsa Vincent, Gildas Morin, Mélie Jouassin — 2026-04-16T06:36:17Z

HISTOIRE DES ARTS, ENSEIGNER LES FAITS RELIGIEUX

Journée d'étude et ateliers pédagogiques à l'INHA et au Louvre - Janvier 2026

Formation interdisciplinaire et inter-degré pour l'académie de Versailles.

L'organisation de cette journée dédiée à l'enseignement de l'Histoire des Arts s'inscrit dans la continuité de la journée de l'année dernière consacrée à la « Représentation du corps humain » et propose une approche des questions vives et sensibles autour de l'histoire des arts et de l'enseignement des faits religieux.
L'enseignement du fait religieux est défini comme « un enseignement transversal qui encourage le décloisonnement disciplinaire ». Les Faits religieux sont définis à leur tour dans les programmes par une énumération qui rend compte de leur pluralité : « Rites, textes fondateurs, coutumes, symboles, traces matérielles ou immatérielles, manifestations sociales, œuvres », « l'enseignement des faits religieux s'appuie par exemple sur les grands textes religieux, les œuvres d'art, et présente la diversité des représentations et des visions du monde ». Pour rappel, les enjeux à l'époque du rapport Debray en 2002 étaient les suivants :
Répondre à la perte de sens que ressentent les élèves face à des monuments patrimoniaux
Donner des clés de lecture à des objets scientifiques : une source littéraire, picturale, architecturale.
Cadre de la laïcité : désigne la transmission de connaissances scientifiques rigoureuses

L'objectif principal est de doter les enseignants d'outils et de connaissances leur permettant de rendre accessible :
La variété historique et géographique des phénomènes qui prennent des formes diverses au sein des groupes humains,
La pluralité des formes d'expression religieuse, notamment artistiques.
Nous avons retenu deux perspectives pour cette rencontre entre Histoire des arts et enseignement des faits religieux, nullement exclusives l'une de l'autre :
Quelle place accorder aux faits religieux dans l'approche laïque des œuvres dont on ne perçoit plus spontanément la dimension sacrée ? Que faire quand les faits religieux font irruption dans le cours d'Histoire des arts de manière inattendue ?
L'Histoire des arts permet l'analyse, l'interprétation des œuvres ainsi que la compréhension des actes de création.
Peut-on passer par les œuvres pour aborder l'enseignement des faits religieux ?
L'Histoire des arts apparaît alors comme une finalité ou un moyen.

Gildas Morin et Elsa Vincent, IA-IPR en charge du suivi de l'HDA.

Conférence à l'INHA
ENSEIGNER LE SACRÉ DANS LES ARTS : PERSPECTIVES HISTORIQUES ET DIDACTIQUES / Isabelle SAINT-MARTIN
Mme Isabelle Saint-Martin, Directrice d'études à l'EPHE.

"Isabelle Saint-Martin est directrice d'études à l'École Pratique des Hautes Études (EPHE - PSL, section des sciences religieuses) et membre de l'équipe Histara.
Ses recherches portent principalement sur les relations entre le christianisme et les arts visuels à l'époque contemporaine (XIXe-XXIe siècle).
Parmi ses publications : Art chrétien/art sacré. Regards du catholicisme sur l'art (France XIXe-XXe siècle), PUR, 2014 ; avec P.-L. Rinuy (dir.), Sainte Face, Visages de Dieu, visages de l'homme dans l'art contemporain (2014) ; avec J. Cottin et alii (dir.), Le Christ réenvisagé. Variations photographiques contemporaines (2016).
Elle prépare avec F. Stahl (musée Maurice Denis) l'édition des actes du colloque « De la Reconstruction au renouveau esthétique. Rêves et réalités des Ateliers d'art sacré » (parution Beauchesne, 2022) dans lequel, elle s'est plus particulièrement attachée à la figure du Père Couturier et aux années décisives qui marquent sa prise de distance avec sa formation première.
Isabelle Saint-Martin s'est également impliquée dans les formations à l'enseignement des faits religieux lancées à la suite du rapport de Régis Debray (2002). Après avoir dirigé l'Institut européen en Sciences des religions (IESR, 2011-2018), elle a publié Peut-on parler des religions à l'école ? Plaidoyer pour l'approche des faits religieux par les arts (Albin Michel, 2019) et participe encore à de nombreuses formations sur ces sujets".

Pour aller plus loin
_ROHAN-CSERMAK (de) Henri et SAINT-MARTIN Isabelle, L'Art et le sacré, CANOPÉ, 2017.
Extrait du dossier
_Podcasts :

Enseigner les faits religieux grâce à l'histoire des arts, France Inter, octobre 2020.
La Bible de Jérusalem, vingt siècles d'art, Institut de France, 2010.

Ateliers pédagogiques au Louvre
HISTOIRE DES ARTS ET ENSEIGNEMENT DES FAITS RELIGIEUX / Équipe de médiation et Professeur-relai du LOUVRE

_Atelier-visite dans les collections du Louvre avec un dossier clé en main mettant en lien un texte fondateur et son interprétation par un ou plusieurs artistes : "Le Sacrifice d'Abraham", "Adam et Ève", "L'Annonciation", "Le Déluge" et "Le Jugement dernier"
Dossier complet à télécharger :

Nos coups de coeur lecture 2024-2025

Béatrice Jaffre, Gildas Morin, Marine Pillaudin, Mélie Jouassin — 2025-05-02T08:58:00Z

Stéphane GUÉGUAN & Nicolas KRIEF, Musées, Gallimard, 2024.
En lien avec le programme limitatif d'enseignement optionnel en classe de terminale "Musée, musées"

Musée est un ouvrage singulier qui explore l'envers du décor des institutions muséales. Fruit de la collaboration entre le photographe Nicolas Krief et l'historien de l'art Stéphane Guégan, il offre une plongée inédite dans les coulisses des musées, capturant des instants suspendus lors des accrochages et des préparatifs d'expositions.
Capturées entre autres, au Louvre, au musée d'Orsay ou la fondation Pinault, les photographies de Krief, prises sans mise en scène, révèlent avec subtilité l'humanité, la poésie et l'humour qui émanent de ces moments souvent invisibles au public. A travers leurs gestes, les techniciens rencontrent les œuvres. Les espaces vides , en attente ou en cours de transformation se regardent autrement. Ces images, empreintes de sensibilité, invitent à une réflexion sur la temporalité et la matérialité de l'art.
Le texte de Guégan accompagne ces photographies avec érudition et finesse, offrant des perspectives historiques et critiques sur le rôle du musée dans la société contemporaine. Il interroge la manière dont les musées construisent des récits, sélectionnent les œuvres, et influencent notre perception de l'art.
Ensemble, les auteurs proposent une vision du musée comme un espace vivant, en perpétuelle évolution, où se croisent passé et présent, visible et invisible. Musée est ainsi une invitation à porter un regard neuf sur ces institutions, à en apprécier la complexité et la richesse au-delà des salles d'exposition.

« Les profanes et les dévots, les laïcs et les prêtres, ceux pour qui la foi se présente comme un état de fait, et ceux pour qui elle est une évidente vérité : se joue lors de ces accrochages notre rapport à l'art, à l'ordre et au sacré. » Nicolas Krief

Chiharu Shiota. The Soul Trembles, Grand Palais RMN Éditions, 2024.
En lien avec la question limitative "Femmes, féminité, féminisme"

Le catalogue de l'exposition "Chiharu Shiota. The Soul Trembles" au Grand Palais (11 décembre 2024 - 19 mars 2025) est une véritable pépite pour les enseignants d'histoire des arts et leurs élèves. Sa lecture et découverte peut être relié à des perspectives pédagogiques autour d'une des trois questions du programme limitatif : « femmes, féminité, féminisme ».

Cette publication offre une plongée fascinante dans l'univers poétique de l'artiste japonaise, connue pour ses installations monumentales de fils entrelacés. Le catalogue, soigneusement conçu, alterne entre analyses critiques et témoignages personnels, retraçant plus de 20 ans de carrière de Shiota. Ses œuvres immersives abordent les notions de temporalité et de mémoire de manière profonde et multidimensionnelle. Sans se revendiquer explicitement féministe, l'artiste explore des sujets intimes qui résonnent avec la condition féminine de manière universelle. L'ouvrage met en lumière l'utilisation unique du fil par Shiota, transformant ce matériau simple en un langage poétique puissant. Cette approche offre une réflexion stimulante sur la ligne, l'espace et les relations entre les êtres, l'expression d'émotions enfouies et leurs transfigurations dans l'art. Les installations de Shiota, décrites et illustrées dans le catalogue, invitent à s'interroger sur l'art comme expérience sensorielle, sur le fil comme médium artistique, sur la mémoire et la connexion entre les individus, etc.

Ce catalogue constitue un outil pédagogique précieux pour explorer les enjeux de l'art contemporain au féminin.

GILBERT Thomas et CAPPELLE Laura, Une histoire dessinée de la danse, Seuil, 2024.
En lien avec les programmes de cycle 4 et de lycée

Laura Cappelle, sociologue de l'art, critique, journaliste, enseignante et spécialiste de la danse et Thomas Gilbert, dessinateur et auteur de bandes dessinées livrent une histoire passionnante de la danse aux éditions du seuil. Un parcours qui débute aux temps préhistoriques pour s'achever à l'époque contemporaine. Nous suivons deux protagonistes, Camille et André, qui voyagent à travers le temps, nous faisant ainsi découvrir les pantomimes antiques, les danses macabres médiévales, les ballets romantiques et les grands chorégraphes contemporains, explorateurs du corps dansant : Pina Bausch, William Forsythe.
Cet album est à compléter par l'ouvrage de référence de Laura Cappelle, Nouvelle histoire de la danse en Occident : De la Préhistoire à nos jours, publié en 2020 aux éditions du Seuil.

1905-1925. Le Paris de la modernité, catalogue d'exposition, Petit Palais, Paris Musées, 2023.
En lien avec le programme limitatif en terminale spécialité "Paris, capitale des arts, première moitié du XXe siècle"

Ressource incontournable pour le nouveau programme « Paris, capitale des arts », le catalogue d'exposition balaye vingt années de création moderne et d'effervescence artistique dans la capitale. Une traversée dans les domaines de la photographie, danse, architecture, mode, cinéma, peinture et sculpture permettent de retracer les contours de cette période qui va du début des avant-gardes avec l'avènement du Fauvisme, en 1905, à l'occasion du Salon d'Automne à l'Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes en 1925. Le quartier de Montmartre puis de Montparnasse, le Théâtre des Champs-Élysées ou encore du Châtelet sont les bastions où se rencontrent et se retrouvent les artistes de l'École de Paris, les avant-gardes littéraires et le Tout-Paris des années folles, en quête de modernité et de renouveau.
L'ouvrage, conçu par périodes, permet de mettre en relation sur un temps donné, les œuvres issues de domaines différents et d'éclairer leur genèse et les liens indéniables qu'elles entretiennent les unes avec les autres. Interdisciplinarité, rupture, modernité, tout le panel des avant-gardes est ici mis en lumière et restitué dans un catalogue à l'iconographie riche et recherchée. Une lecture indispensable pour entrer de plain-pied dans le nouveau programme limitatif dédié à Paris, capitale des arts.

Vernissage de l'exposition des élèves de l'atelier Histoire des arts du lycée Gaspard Monge de Savigny-sur-Orge

Gildas Morin, Marine Pillaudin — 2025-03-18T17:05:00Z

Vernissage de l'exposition des élèves de l'atelier Histoire des arts du lycée Gaspard Monge de Savigny-sur-Orge.

"De(s) Natur(é)s" - Une exposition d'œuvres du Fonds Départemental d'Art Contemporain de l'Essonne au CDI du lycée Gaspard Monge, Savigny-sur-Orge

Les élèves de l'atelier histoire des arts ont joué un rôle central dans la mise en scène de l'exposition. Ils ont conçu un parcours immersif en enregistrant des explications audio accessibles via des QR codes. Ces enregistrements présentent à la fois les œuvres des artistes exposés et les ressentis personnels des élèves, permettant ainsi aux visiteurs de découvrir l'exposition à travers leurs yeux.

Lors du vernissage, les élèves ont expliqué leur démarche créative, accompagnés par une animatrice du Domaine de Chamarande. Ensemble, ils ont établi des liens entre les œuvres et trouvé un titre évocateur pour l'exposition. Ce travail a également été intégré dans les cours de français et enrichi par des réflexions en géographie sur le rapport entre nature et humanité. Les professeurs de philosophie prévoient également d'exploiter cette exposition avec leurs classes.

Cette initiative offre une opportunité unique de découverte des métiers de l'exposition. Avec l'impulsion de leurs enseignants Bérénice Cappe et Yann Lopez, les élèves ont relevé le défi de concevoir et réaliser une exposition et présentation des œuvres sélectionnées dans les réserves du Domaine de Chamarande.

🎨 Intérêt pédagogique :
• Sensibilisation à l'art contemporain
• Expérience concrète liée aux métiers de la culture
• Développement de compétences culturelles
• Découverte et identification des techniques de scénographie

Un grand bravo aux élèves et aux enseignants pour la concrétisation de cette aventure artistique et pédagogique !

Une belle occasion de valoriser la créativité des élèves et la sensibilité des leurs approches face aux œuvres.

#ExpositionLycéenne #ArtContemporain #MétiersExposition #HDA #EAC

livret d'activités

Journée d'étude 2024-2025 « Représentation du corps humain »

Béatrice Jaffre, Gildas Morin, Marine Pillaudin, Mélie Jouassin — 2025-01-15T08:10:00Z

ÉTUDIER LA REPRÉSENTATION DU CORPS HUMAIN

Journée d'étude et ateliers pédagogiques au Centre Georges Pompidou - Janvier 2025

Formation interdisciplinaire et inter-degré pour l'académie de Versailles.

L'organisation de cette journée dédiée à l'enseignement de l'Histoire des Arts (HDA) s'inscrit dans une réflexion plus large sur l'évolution de cet enseignement et le soutien apporté aux enseignants. Cette initiative de l'inspection pédagogique régionale d'Histoire des arts vise à répondre aux besoins spécifiques des professeurs d'HDA, en leur offrant des contenus scientifiques et universitaires adaptés à leur pratique.

L'objectif principal est de doter les enseignants d'outils et de connaissances leur permettant de :

Rendre accessible l'étude de toutes les œuvres, quelle que soit leur nature ou leur complexité
Anticiper les questions et réactions que peuvent susciter les œuvres auprès des élèves, afin de mieux préparer les séances et favoriser les échanges
Aborder les questions vives et signifiantes posées par des démarches artistiques singulières, en intégrant des perspectives anthropologiques, culturelles et sociologiques
Articuler l'enseignement avec l'actualité culturelle, notamment en faisant le lien avec les expositions en cours

Cette approche s'inscrit dans la continuité des réflexions menées depuis l'introduction de l'enseignement de l'histoire des arts dans les programmes scolaires en 2008 pour le primaire et 2009 pour le secondaire. Elle vise à renforcer la dimension interdisciplinaire de cet enseignement, en encourageant le croisement des regards portés par différentes disciplines sur les mêmes œuvres, afin de favoriser une culture commune.

Conscients des défis que représente cet enseignement pour les professeurs, nous avons cherché à fournir des ressources et des méthodes pour enrichir les pratiques et stimuler l'intérêt des élèves pour les arts dans toute leur diversité.
Nous vous souhaitons une bonne lecture des contenus et ressources associées à cette journée de formation.

Gildas Morin et Marine Pillaudin, IA-IPR en charge du suivi de l'HDA.

NU, NUDITÉ, ÉROTISME, PORNOGRAPHIE / Claire Maingon
Maîtresse de conférences en Histoire de l'art contemporain XIXe-XXIe siècle à l'université de Rouen, Directrice de la rédaction de la revue Sculptures, autrice de plusieurs ouvrages sur la relation entre art et érotisme.

L'intervention de Claire Maingon explore la représentation du nu et de la nudité dans l'histoire de l'art, en mettant en lumière les conventions artistiques, les jugements moraux, et les ambiguïtés érotiques qui entourent bon nombre d'œuvres du XIXe siècle, entre autres.

À partir d'exemples connus et reconnus dans l'Histoire de l'art, Claire Maingon opère une distinction entre nu et nudité. Le nu est une convention artistique codifiée depuis l'Antiquité : les « venus pudica » et athlètes grecs en sont la parfaite incarnation. Tandis que le nu masculin est héroïsé, le nu féminin est pudique : l'attitude du personnage ne suggère aucune érotisation : le regard est détourné, la main couvre le sexe ou les seins. Le corps idéalisé ne pose pas de problème, car le sexe n'y occupe que la place d'un détail anatomique. Les Vénus sont d'ailleurs glabres et leur sexe ne présente pas de fente. La nudité, en revanche, aborde des thèmes comme l'amour, l'érotisme et la sexualité, suscitant souvent des controverses et réactions vives. Toutefois, il existe une porosité entre le nu et la nudité, car l'ambiguïté dans le nu est un élément essentiel pour susciter le regard du spectateur. Elle réside ainsi dans la manière dont le personnage est dénudé, déshabillé, et dans son attitude. Enfin, si l'érotisme se situe dans l'évocation et des détails secondaires, la pornographie montre explicitement l'acte sexuel.
Le XIXe siècle est marqué par une tension entre moralité stricte et fascination pour l'érotisme. Ainsi, La Danse de Carpeaux (1865-1869) fut jugée scandaleuse pour ses nus féminins en mouvement qui renvoyaient davantage à une Bacchanale qu'à une danse. Jean-Léon Gérôme, feint la morale dans Phryné devant l'aréopage (1861). Phryné est accusée d'impiété et devant le tribunal, pour garantir la bonne foi de sa cliente, son avocat la dévêt intégralement car le dévoilement du corps parfait garantit le fait que la cliente est morale : le beau est toujours moral selon les valeurs antiques. En dévoilant son corps, elle est absoute de ses fautes alors qu'il s'agissait d'une courtisane. Le peintre joue ainsi sur sa fausse pudeur. Ce n'est pas pour rien si Edgar Degas considèrait cette œuvre comme pornographique. La Femme piquée par un serpent de Clessinger (1847), moulée sur le corps de la maîtresse de Baudelaire, Mme Sabatier, représente sans doute la jouissance d'une femme traversée par un spasme de plaisir tandis que l'Olympia de Manet subvertit les codes du traditionnel nu allongé avec une courtisane moderne au regard provocant. Manet est-il un peintre érotique ? S'il respecte les codes de la représentation pudique dans Olympia en reprenant le motif de la Vénus allongée et en proposant une anatomie parfaite et plutôt allusive, Olympia renvoie à un nom de courtisane courant au XIXe siècle : le contexte donne un pouvoir subversif à cette œuvre. Les draps, les coussins, le lit bouleversés, le rideau dévoilant la la scène, le bouquet de la servante, autant d'éléments qui dénotent le thème prostitutionnel et l'ambiguïté du type social représenté : une femme très jeune dans une maison close assez chic, qui lance un regard de défi plutôt qu'une invitation. L'absence de coquetterie assimile ce tableau tout autant à une scène sociale qu'à un moment érotique. Paradoxalement, des figures habillées sont parfois plus franchement érotiques que certains nus : Manet rompt avec le prétexte mythologique et propose des nus réalistes, comme Nana. Le jupon de Nana et la présence du client dans l'espace intime de la chambre s'annoncent comme les prémices de l'acte sexuel. L'oeuvre sera d'ailleurs refusée au Salon, et exposée dans la vitrine d'un magasin du boulevard des Capucines. Baudelaire et les Frères Goncourt seront également taxés de pornographes car, dans leurs ouvrages, ils ont évoqué l'univers de la prostitution.
Mais l'érotisme n'était-il pas présent dans les œuvres antiques dont les artistes modernes s'inspirent ? Ainsi l'Olympia de Manet est une relecture de La vénus d'Urbino du Titien (1538) qui, elle-même, contient un érotisme subtil. Daniel Arasse dans Histoires de peinture qualifie cette vénus de « pin-up de la Renaissance ». Son geste délicat, la main gauche cachant son pubis, a souvent été interprété comme un geste masturbatoire. Or, au XVIe siècle, toute une littérature médicale s'est développée sur la nécessité de la masturbation féminine pour favoriser la procréation et la fécondation. La naissance de Vénus de Botticelli dont le modèle aux allures marmoréennes est une « venus pudica » incarnant l'innocence et la beauté, possède également des caractéristiques secondaires érotiques telles que la chevelure déliée. Le peintre respecte le code moral tout en suggérant l'érotisme : si la Vénus est nue car elle vient de naître, une boucle de cheveux, savamment placée devant son sexe, évoque le coquillage qui, lui-même, est une métaphore du sexe. Aby Warburg parle de « caractéristiques secondaires de sauvagerie », les cheveux renvoient à la folie et au désordre des Bacchantes : les poils, les cheveux évoquent le côté sauvage, sexuel et indomptable du corps. Derrière une apparente candeur, se situe l'érotisme et selon Kenneth Clark, un nu doit contenir une certaine ambiguïté érotique pour émouvoir le spectateur. L'érotisme peut également se situer dans des représentations sans corps humain comme le fera Eugène Delacroix avec son Lit défait daté de 1825. Le mobilier porte les traces de l'acte sexuel et, malgré l'absence du couple qui y partagea un moment, le lit nous transporte du côté de l'intime. Ceci peut être mis en relation avec les métaphores du mobilier que l'on trouve dans Le verrou de Fragonard. Si la jeune fille semble se refuser, tout dans le décor environnant nous parle de l'acte sexuel à venir : mise en scène phallique du rideau et des draps évoquant des jambes écartées. Le Sopha, nouvelle de Crébillon publiée en 1742 aux allures orientales explorait déjà, en son temps, le désir et l'amour. Un homme transformé en sofa (le narrateur) raconte les couples qu'il a accueilli et vu s'aimer jusqu'à l'apothéose d'une jouissance qui libère le narrateur de l'enchantement et lui rend sa liberté.

L'histoire du nu dans l'art oscille entre conventions esthétiques et transgressions érotiques. Les artistes utilisent ambiguïtés et symboles pour naviguer entre pudeur et provocation, questionnant ainsi les normes sociales de leur époque.
Support de l'intervention

Ouvrages de l'intervention
ARASSE Daniel, Histoires de peinture, 2004, (1ère édition).
WARBURG Aby, La Naissance de Vénus et le Printemps de Sandro Botticelli, 1983 (1ère édition).
CLARK Kenneth, The Nude : A Study in Ideal Form, 1956 (1ère édition)

Publications de Claire Maingon
Scandales érotiques de l'art, Beaux arts édition, 2016.
Les chefs-d'œuvre du patrimoine érotique ; peintures, sculptures, décors, lieux, monuments..., Beaux arts édition, 2019.
L'œil en rut : art et érotisme en France au XIXe siècle, Beaux arts édition, 2021.
Co-directrice de rédaction avec Thierry Dufrêne, Sculptures (revue). Découvrir
Podcasts France Inter :

Art occidental : Pourquoi autant de nus, pourquoi autant de culs ? (Diffusion : janvier 2025)
L'œil en rut : l'érotisme dans la peinture du 19e siècle, 2021
Qui est Éros au XIXe siècle ?, 2016

LA SCIENCE ANATOMIQUE DU CORPS HUMAIN / Yohan Lacroix
Professeur d'anatomie et de morphologie aux Gobelins, coordinateur du parcours lycéens aux Ateliers Gobelins.

L'étude de l'anatomie humaine a évolué à travers l'histoire, influencée par des médecins et artistes célèbres. L'intervention de Yohan Lacroix revient sur les différentes étapes qui ont jalonné ce parcours : observation, dissection, publication de manuels à l'usage des médecins puis des artistes jusqu'aux progrès de l'imagerie médicale au XXe et XXIe siècles.

De l'Antiquité au Moyen Âge, la figure de Galien se distingue, médecin des gladiateurs, il met à profit son métier pour observer les blessures et progresse ainsi dans la connaissance du corps. Au XIIIe siècle, les dissections sont encouragées par la religion car découvrir le corps humain permet de mieux comprendre le divin. À Bologne, on assiste à la création des premiers théâtres de dissection, on se sert des condamnés à mort pour effectuer les dissections. La science a alors besoin de corps et une mafia se développe en Europe quand il y a pénurie de corps, des groupes faisaient des rondes et tuait des gens en fin de vie. L'activité s'avérera très lucrative car la demande de corps entraîne l'essor de ce marché noir. Du XIVe au XVIe siècle, c'est la période des progrès majeurs. Léonard de Vinci représente cette période qui concilie observation et avancée médicale. Il dissèque une trentaine de corps et s'intéresse au corps médical mais il n'aura toutefois pas le temps de finir son ouvrage d'anatomie. Dans son sillage, Michel-Ange assiste aux cours de De Vinci, il développe une approche artistique des os et muscles. Au XVIe siècle, le savoir voyage par le biais de l'imprimerie. Ainsi, les gravures anatomiques de Vésale circulent en Europe et contribuent à enrichir les connaissances des artistes. Puis, les XIXe et XXe siècles se caractérisent par des innovations médicales et artistiques. Tout d'abord, au XIXe siècle, les rayons X apparaissent tandis que les femmes sont progressivement intégrées aux Beaux-Arts. Enfin, au XXe siècle, on assiste à une révolution de l'imagerie médicale avec l'apparition des scanners 3D et radiographies en mouvement.

Fort de ses connaissances, les artistes puisent dans l'imagerie médicale et les savoirs liés à l'anatomie ainsi qu'à la morphologie pour pousser, plus loin, le degré de réalisme dans leurs créations.

Support de l'intervention

Découvrir le travail de Yohan Lacroix